À la frontière de l'électronique, de la pop, du rock psychédélique, le groupe crée son propre style musical en offrant des mélodies cosmiques dans lesquelles de nombreux riffs de guitare accompagnent des sons électroniques et des voix vocodées. Malgré leur timidité apparente, Jean-Benoît Dunckel et Nicolas Godin ne boudent pas la scène et organisent régulièrement des tournées internationales connues pour leurs versions alternatives et leurs réinterprétations en direct de certains de leurs titres.

Air a notamment collaboré avec Beck Hansen, Charlotte Gainsbourg, Jarvis Cocker (Pulp), Neil Hannon (The Divine Comedy) et Nigel Godrich. Ils ont également signé plusieurs musiques de film pour la réalisatrice Sofia Coppola.

Histoire du groupe

Membres du groupe

• Jean-Benoît Dunckel : synthétiseurs, piano, chant
• Nicolas Godin : guitare, basse, synthétiseurs, chant, koto, shamisen, banjo, batterie...

Formation du groupe

L'histoire de Air débute dans les années 1980 au lycée Jules-Ferry de Versailles, où étudient Jean-Benoît Dunckel et Nicolas Godin. Aidés d'Alex Gopher, de Xavier Jamaux et de Jean de Reydellet, ils forment Orange, « highschool band » éphémère qui ne laissera aucune trace discographique de son existence (ce qui ne l'empêchera pas de devenir célèbre, tant ses membres, via leur carrière respective, ont depuis connu une influence sur la scène pop française (Phoenix), voire internationale (Alpha Waves Blisters)).

Le bac en poche, Nicolas Godin entreprend des études d'architecture et se voit obligé de délaisser un peu la musique. Pourtant, en 1995, alors qu'il travaille sur le premier album de Teri Moïse, Marc Tessier du Cros, un ami d'enfance qui travaille chez Source (un sous-label de Virgin music), le pousse à composer. Il écrit un titre instrumental en hommage à Le Corbusier, Modulor, qu'il présente, sous le pseudonyme de Air, au label Source. Le morceau est retenu pour la compilation Source Lab de cette même année et connaît un certain succès (le morceau sortira aussi sur le label anglais Mo'Wax). De son côté, Jean-Benoît Dunckel étudie les mathématiques (la légende veut qu'il en soit même devenu professeur), mais n'abandonne pas la musique, il joue alors dans un groupe Le Dynamo, tout en étant pianiste de bar dans le Quartier latin.

Suite au relatif succès de Modulor, Nicolas, qui ne veut pas continuer seul, propose à Jean-Benoît de se joindre à lui. Les deux complices s'attaquent à la réalisation de quelques morceaux qui sortiront en singles (ces morceaux sont d'ailleurs, par la suite, regroupés dans le EP Premiers symptômes en 1997) : on y retrouve quelques classiques, tels que Casanova 70 ou J'ai dormi sous l'eau, qui préfigurent ce que sera le son de Air à ses débuts (influences pop années 1960, ambiances cinématographiques, obsession pour le Moog, accords évoluant autour de la même note de basse). À l'époque, le groupe se fait connaître en multipliant les remixes, notamment pour Neneh Cherry, Depeche Mode et Ollano (groupe de Marc Collin où on retrouve également Helena Noguerra et Xavier Jamaux).

Parcours musical

Pour leur premier album qu'ils signent sur le label Parisien Source, Nicolas et Jean-Benoît décident d'investir un ancien studio délabré près du golf de Saint-Nom-la-Bretèche, ce qui les rapproche de leurs lieux de jeunesse. Il y a donc pour eux un côté nostalgique dans l'appréhension de ce disque. Les dix chansons composées, ils font appel à l'ingénieur du son Stéphane « Alf » Briat pour mixer l'album d'abord au studio Plus XXX puis au studio Gang. Une session de cordes fut également programmée avec David Withaker au studio n°2 des Beatles à Abbey Road. Air contacte alors Mike Mills, graphiste New-Yorkais, pour élaborer l'univers visuel de Moon Safari. Des clips aux pochettes, du site internet aux autocollants, tout est lié. L'univers est singulier pour faire rappeler les bandes dessinées situationnistes ainsi que la pop culture américaine. L'album sort début 1998, Air est invité sur le plateau de Nulle Part Ailleurs pour jouer le tube Sexy Boy accompagné par les Phoenix.

Le disque rencontre le succès même si la démarche artistique n'est pas des plus faciles. La moitié du disque est instrumentale et Beth Hirsh, une artiste américaine alors fille au pair à Montmartre, pose sa voix sur les chansons All I need et You make it easy. Les boîtes à rythmes remplacent les batteries, Nicolas souhaite rendre ainsi l'album intemporel. Ils utilisent également différents vocodeurs, procédé popularisé par Kraftwerk, mais s'en servent de manière plus évanescente que ces derniers.

Pour la tournée de Moon Safari, Air s'entoure de musiciens américains tels que Justin Meldal-Johnsen à la basse, Brian Kehew et Roger Manning Jr. aux claviers et Brian Reiztell à la batterie. Les concerts débutent le 11 octobre à Seattle pour la partie américaine et finissent en Europe avec une escale à La Cigale le 7 novembre. Les musiciens français acquièrent une notoriété sur le territoire américain (en particulier New York et Los Angeles). Nic Harcourt, le directeur de la branche musicale de la radio californienne KCRW, les invite pour un concert live radiophonique ponctuée d'une interview, ce qui se reproduit pour les autres albums studio. Air reçoit le 20 février 1999, la Victoire de la musique de l'« album techno/dance » de l'année pour Moon Safari. Le succès du disque entraine la réedition de Premiers Symptômes en 1999 avec deux morceaux rares en bonus.

En 1999, Sofia Coppola, contacte le groupe pour la musique de son premier long métrage Virgin Suicides, car elle voulait utiliser l'ensemble du disque Moon Safari, mais les deux musiciens lui proposent de composer une bande originale pour son film. Ils enregistrent la musique dans le même studio que pour Moon Safari, avec l'aide d'un batteur Brian Reitzell à qui Sofia Coppola a demandé de superviser l'enregistrement. Une fois la musique terminée, la production du film leur demande expressément une chanson pour le générique de fin. L'espace d'un Week-end, Air invite Thomas Mars (du groupe Phoenix) qui écrit les paroles, joue la batterie et chante sous le pseudonyme de Gordon Tracks. Ce dernier suggère Hugo Ferran pour les mélodies jouées au saxophone. La chanson devient un single et fait l'objet d'un clip tourné par Sofia Coppola dans lequel Air et Thomas Mars font une apparition en tant que professeurs dans le bal de fin d'année du film. Le disque reçoit de bonnes critiques et permet la reconnaissance, le disque recevra la Victoire de la musique de l'« album de musique originale de cinéma » en 2001. Les membres du groupe sont depuis devenus d'étroits collaborateurs de Sofia Coppola, en étant présent sur ses trois films sortis : Virgin Suicides, Lost in Translation (par le morceau alors inédit Alone In Kyoto) et Marie-Antoinette (avec la version instrumentale du morceau Il Secondo Giorno issue de leur collaboration avec Alessandro Baricco).

En 2001, la sortie de l'album 10 000 Hz Legend marque une influence internationale grâce à une collaboration avec Beck (The Vagabond). Cette fois le groupe abandonne le style lisse et harmonieux pour essayer un son plus expérimental. En effet, Air s'installe dans un studio du 6^e arrondissement de Paris pour donner une allure plus urbaine au disque. Ils renouvellent leur matériel, ce qui est le moteur de chaque disque, toujours composé en réaction au précédent. Moon Safari fut le constat nostalgique d'une enfance révolue, autant ce disque se réclame plus adulte. Ils invitent leurs frères d'Amérique majoritairement issus de la tournée précédente avec Jason Falkner, une figure de la scène pop californienne. Album le plus expérimental de leur carrière, 10000 Hz Legend obtient un succès plus mesuré en comparaison aux deux disques précédents. Cette même année, l'écrivain italien Alessandro Baricco, passionné de musique, demande au groupe de composer une bande son par-dessus laquelle il pourrait lire les textes de son livre City. Air accepte cette proposition, d'où la tenue d'un spectacle alliant la magie des mots à l'envoutement des notes.

Le groupe sort l'album Talkie Walkie au début de l'année 2004. Moins complexe que le précédent album studio, c'est un retour à des structures pop classiques. Nigel Godrich les persuade d'utiliser leurs voix naturelles et de délaisser le vocodeur. Il n'y a également aucune aide extérieure pour la composition des titres. Le nom de l'album a une connotation très frenchy. En effet, Talkie Walkie est typique à la langue française : dans les autres langues, c'est Walkie Talkie qui est utilisé.

En février 2005, le duo reçoit le titre de chevalier dans l’Ordre des Arts et des Lettres^{[réf. à confirmer]}.

Le duo sort l'album Pocket Symphony en mars 2007. Cet album montre que le groupe évolue dans un style influencé par le Japon. Pour cela, Nicolas Godin apprit à jouer au koto et au shamisen chez un maître japonais résidant à Paris, qui apparaît dans le clip Once Upon a Time (rectification du maître d'Okinawa Hont?, île appartenant au Japon mais dont la culture est différente du reste de l'archipel). Neil Hannon et Jarvis Cocker chantent sur deux titres.

Fin 2007, ils reçoivent les clés de leur studio baptisé Atlas Studio et situé dans le 19^e arrondissement de Paris. Lors de sa construction, ils louent les services de l'acousticien chevronné Christian Malcurt. C'est ici qu'ils enregistre leur cinquième et dernier album Love 2 avec le batteur Joey Waronker. Ils retrouvent au mixage Stéphane Alf Briat avec lequel ils avaient travaillé sur Moon Safari. Le nouvel album Love 2 est sorti le 6 octobre 2009. Sur scène, ils forment désormais un trio avec le batteur Alex Thomas.

Le 6 février 2012 sort la bande originale Le voyage dans la lune, court album de 31 minutes inspiré de la musique que Air a créée pour le film de Georges Méliès.

Collaborations

Connu dans l'électro française, Air travaille avec plusieurs musiciens comme Étienne de Crécy et Alex Gopher. Ils sont aussi proches d'autres artistes comme Fuzati, pour lequel ils produisent l'instrumental du morceau Sous le signe du V parlant de la ville de Versailles dont les membres de Air et Fuzati sont issus. Fuzati leur fait d'ailleurs un clin d'œil appuyé sur le morceau : "enfermés dans leur chambre Jean-Benoît et Nicolas écoutent les Pink Floyd en rêvant de fonder un groupe pour pouvoir vivre de leur musique..."

Après les avoir vus en concert à Milan, l'écrivain italien Alessandro Barrico se met en tête l'idée d'une collaboration avec le duo français. Il leur envoie des textes et ces derniers les adaptent en musique. En novembre 2002, ils présentent leur création via une pièce de théâtre au Teatro Valle de Rome. L'expérience séduit Air qui décide d'en faire un disque. City Reading sort en 2003 et fut mixé par Nigel Godrich.

Ils participent à l'élaboration de l'album 5:55 de Charlotte Gainsbourg en 2006.

Récompenses

En 2005, Renaud Donnedieu de Vabres, ministre français de la culture remet à Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel l'insigne de Chevalier des Arts et des Lettres^{[réf. à confirmer]}. Au-delà de la récompense matérielle pour le groupe français, ce geste marque la reconnaissance du mouvement French touch par la classe politique. Lors de cette même cérémonie les artistes Philippe Zdar (groupe Cassius) et Dimitri from Paris reçoivent cette même récompense. Les Daft Punk ne sont pas retenus à leurs côtés mais reçoivent la récompense en juillet 2010.

Discographie

Albums studio

En 2008, paraît une édition anniversaire de Moon Safari. Ce coffret, en édition limitée, comprend le CD original de l'album de 1998, un deuxième CD de versions live et/ou inédites de certains morceaux, et enfin, le DVD documentaire réalisé par Mike Mills Sleeping, Eating, Waiting, Playing qui suit le groupe lors d'une tournée à ses débuts.

Singles et EP

• 1995 : Modular Mix
• 1996 : Casanova 70
• 1997 : Le soleil est près de moi
• 1997 : Premiers Symptômes Cet EP reprend les morceaux des 3 singles précédents (une réédition avec Brakes On Mix et Californie sortira en 1999)
• 1998 : Sexy Boy Cet EP contient le titre Jeanne, chanté par Françoise Hardy
• 1998 : Californie/La femme d'argent Single uniquement disponible avec le numéro 134 du magazine Les Inrockuptibles
• 1998 : Kelly Watch the Stars
• 1998 : All I Need
• 2000 : Playground Love
• 2001 : Air concerts Single uniquement disponible avec le numéro 296 du magazine Les Inrockuptibles
• 2001 : Radio #1
• 2001 : How Does It Make You Feel?
• 2001 : People in the City
• 2002 : Don't Be Light
• 2004 : Cherry Blossom Girl
• 2004 : Surfing on a Rocket
• 2004 : Alpha Beta Gaga
• 2007 : Once Upon a Time
• 2007 : Mer du Japon
• 2009 : Do the Joy
• 2009 : Sing Sang Sung
• 2009 : So Light Is Her Footfall
• 2010 : So Light Is Her Footfall EP
• 2012 : Parade
• 2012 : Seven Stars

Remixes

• 1996 : Ollano Latitudes (Air Remix)
• 1997 : Crustation Purple (La Femme d'argent Mix)
• 1997 : Neneh Cherry Kootchi (Air Remix)
• 1997 : Depeche Mode Home Air « Around The Golf » Remix
• 1997 : Alex Gopher Brakes On Mix
• 1998 : Étienne Daho Me manquer (Londres en Été - Air Remix)
• 2002 : David Bowie Better Future
• 2005 : Beck Heaven Hammer (Missing)

B.O.F.

• 2000 : The Virgin Suicides (BO du film Virgin Suicides de Sofia Coppola)
• 2003 : Lost in Translation (BO du film Lost in Translation de Sofia Coppola) avec le titre Alone in Kyoto (également présent sur l'album Talkie Walkie)
• 2006 : Il Secondo Giorno (instrumental) dans le film Marie-Antoinette de Sofia Coppola

• 2010 : Quartier lointain de Sam Garbarski, adapté du manga de Jir? Taniguchi

• 2012 : Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès présenté au festival de Cannes en 2011. Le groupe a composé une musique originale à l'occasion de la version restaurée en couleur du chef-d'œuvre de Georges Méliès.

Collaborations

• 2002 : Everybody Hertz (remixes)
• 2003 : City Reading (Tre Storie Western) avec Alessandro Baricco
• 2006 : 5:55 de Charlotte Gainsbourg composition des musiques

Albums solo

• 2006 : Darkel de Jean-Benoît Dunckel
• 2009 : Cyprien (B.O.F.) de Jean-Benoît Dunckel

Spectacles

• 2009-2010 : Tournée mondiale à l'occasion de la sortie de l'album ?Love 2? (12-13 avril 2009, Casino de Paris - Paris)
• 2007 : Aérolite, pièce instrumentale pour Koto (harpe japonaise) et synthétiseurs. (6-7 avril 2007, Centre Pompidou - Paris)

Exploitation commerciale

Télévision

• 2010 : Médium - épisode : Le Corbeau (Playground Love)
• 2007 : Gossip Girl (Photograph)
• 2007 : Nip/Tuck - Carly Summers (Space Maker)
• 2006 : Verbotene Liebe (Cherry Blossom Girl)
• 2006 : The Bedford Diaries (All I need)
• 2004 - 2005 : Veronica Mars (Run, La Femme d'Argent)
• 2003 - 2005 : Newport Beach (Universal Traveler, Le Femme D'argent)
• 2005 : Les Experts : Manhattan (Alpha Beta Gaga)
• 2000 : Daria - Of Human Bonding (Kelly Watch the Stars)

Cinéma

• 2010 : Lip Service (So Light Is Her Footfall, Heaven's Light)
• 2010 : Faites le mur ! (documentary) (Kelly Watch The Stars)
• 2002 : 9 Dead Gay Guys (Sexy Boy)
• 2001 : Startup.com (documentary) (Remember)
• 2000 : Maybe Baby (Kelly Watch the Stars)
• 1999 : Go (Talisman)
• 1999 : 10 bonnes raisons de te larguer (Sexy Boy)
• 1999 : Splendeur (Kelly Watch The Stars Moog Cookbook Remix)

Instruments

Le groupe aime rappeler en interview sa passion pour les instruments et se définit comme étant musicien avant tout alliant aussi bien acoustique et synthèse, qu'analogique et numérique. Son identité sonore passe par un noyau d'instrument invariable tel que la basse, le Solina le Rhodes et le Korg MS-20. Voici la liste du matériel scénique pour les tournées de chaque album.

• Moon Safari (JB Dunckel, Nicolas Godin, Brian Reitzell, Roger Manning Jr., Brian Kehew, Justin Meldal Johnsen)
  • Moog source, Roland JX-3P, Roland VP-330 Vocoder plus, Wurlitzer 200A
  • Moog minimoog, Solina string ensemble, Yamaha CS1x
  • Hammond XB-2, Roland PC-180, Guitare Fender Jaguar, EMU SP-1200
  • Fender Rhodes suitecase Mk I, Korg MS-20
  • Moog Theremin

• 10,000 Hz Legend ( JB Dunckel, Nicolas Godin, Brian Reitzell, Jason Falkner, James Rotondi)
  • VP 330, Roland PC-200, Fender Rhodes mk II, Moogerfooger MF-103, Solina String Ensemble, Korg Ms-20, Akai MPC 2000 XL
  • Alesis A6 Andromeda, Kurzweil keyboard
  • korg cx3 ( with EHX Memory Man), Roland PC-200, Harmonica
  • Boss Dr Sample SP-202, Boss VT-1 Voice Transformer, EHX Delay Moogerfooger MF-104
  • Gibson SG, 70's Guild D35
  • 70's Fender Mustang Bass, Ampli Ashdown

• Talkie Walkie ( JB Dunckel, Nicolas Godin, Dave Palmer, Earl Harvin)
  • Yamaha CP-80, Nord Lead 2, Korg MS-20, Solina String Ensemble, Fender Rhodes Mk I
  • Sequential Circuits Six Track, Hammond XB-2, Roland SH-101 ( blue version), Microkorg, Moog Minimoog Voyager

• Pocket Symphony ( JB Dunckel, Nicolas Godin, Steve Jones, Vincent Taurelle, Earl Harvin)
  • Yamaha CP 80, Korg MS-20, Solina String Ensemble, Fender Rhodes mk I
  • VP-550, Fender Mustang Bass Red Competition, Hofner Club Bass 500/2, Guild Acoustic Guitar

• Love 2 ( JB Dunckel, Nicolas Godin, Alex Thomas)
  • Korg MS-20, Solina String Ensemble, Manikin Memotron, Wurlitzer, Moog Source
  • Moog Source, VP-550, Fender Mustang Bass Blue Competition, Guild D35

Samples

Le groupe utilise des samples sur ses titres :

• Remember : The Beach Boys - Do It Again
• La Femme d'argent : Can - Future Days, Edwin Starr - Runnin
• Modular Mix : James Brown - I Got Ants In My Pants, Gil Scott-Heron - We Almost Lost Detroit
• Brakes On : Odetta - Hit or Miss
• Dirty Trip : Brian Auger's Oblivion Express - Dawn of Another Day

Vidéographie

• 1998 : Sexy Boy (réalisation : Mike Mills)
• 1998 : Kelly Watch the Stars (réalisation : Mike Mills)
• 1998 : All I Need (réalisation : Mike Mills)
• 1999 : Le Soleil est près de moi (réalisation : Mike Mills)
• 1999 : Eating Sleeping Waiting And Playing (DVD, Moon Safari Tour)
• 2000 : The Virgin Suicides (film de Sofia Coppola)
• 2000 : Playground Love (réalisation : Sofia et Roman Coppola)
• 2001 : Radio #1 (réalisation : Alex & Martin)
• 2001 : How Does It Make You Feel (réalisation : Antoine Bardou-Jacquet / Ludovic Houplain)
• 2001 : Don't Be Light (réalisation : Jean-François Moriceau / Petra Mrzyk)
• 2002 : Sexy Boy, Kelly Watch The Stars, All I Need, Le Soleil est près de moi, Playground Love, Radio #1, How Does It Make You Feel (DVD promotionnel de l'album Everybody Hertz)
• 2004 : Electronic Performers, Talisman, Don't Be Light, People in the City, La Femme d'argent [live + images coulisses) (DVD bonus Talkie Walkie)
• 2004 : Cherry Blossom Girl (réalisation : Kris Kramski)
• 2004 : Surfing On a Rocket (réalisation : Antoine Bardou-Jacquet / Romain Guillon)
• 2004 : Alpha Beta Gaga (réalisation : Matthieu Tonetti)
• 2007 : Once Upon a Time (réalisation : Matthieu Tonetti)
• 2007 : Mer du Japon (réalisation : Guillaume de la Perriere)
• 2009 : Sing sang sung
• 2009 : So Light Is Her Footfall
• 2012 : Parade
• 2012 : Seven Stars

Sources et références

Liens externes

• Notices d’autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? WorldCat

Archive est un groupe de rock progressif, trip hop, et musique électronique britannique, originaire de Londres, en Angleterre. À l'effectif changeant, le groupe est formé autour de Darius Keeler et Danny Griffiths. Leur style empruntant des éléments aussi bien au rock qu'à la musique électronique et au trip hop a évolué au fil des albums.

Biographie

Débuts (1994-1999)

Archive est formé en 1994 comme groupe de trip hop sous l'impulsion de Darius Keeler et Danny Griffiths aux côtés de Roya Arab et du rappeur Rosko John. Après avoir publié quelques singles sous leur propre label, ils se séparent en début 1996.

Quelques mois plus tard, le groupe se reforme avec du nouveau personnel. Le premier album, Londinium, sort en 1996 chez Island Records, label de PolyGram (désormais Universal Music) avec la chanteuse Roya Arab et le rappeur Rosko John. C'est un mélange entre du trip hop très sombre (trip hop de Bristol, dans la même lignée que le premier album du groupe Massive Attack) et du rap. Londinium est devenu aujourd'hui un incontournable en matière de trip hop, le chant rap sur une musique expérimentale lui donnant une sonorité particulière.

À la suite de problèmes relationnels, le groupe se sépare de ses voix et recrute une nouvelle chanteuse, Suzanne Wooder, pour l'album Take My Head (1999) signé chez Small, label de Sony Music (aujourd'hui Sony BMG Music). Cet album est beaucoup plus mélodique et aérien, plus dans la veine trip pop (entre pop et trip hop). Beaucoup de fans du premier album déplorent le changement de style, bien que d'autres le préfèrent.

Période Craig Walker (2000-2004)

En 2001, et après avoir signé chez Warner Music, le groupe s'éloigne du trip hop en remerciant Suzanne Wooder et en intégrant un troisième chanteur, Craig Walker, précédemment chanteur du groupe punk irlandais Power of Dreams. Avec son arrivée, le son change radicalement en faveur d'un rock psychédélique ou progressif plus sombre.

La collaboration dure un temps et plusieurs albums voient le jour : You All Look the Same to Me (mars 2002), Noise (mars 2004) et Unplugged (novembre 2004), (une reprise de leurs derniers morceaux en acoustique) ainsi que la bande originale pour le film Michel Vaillant (Louis-Pascal Couvelaire) sorti en novembre 2003. Craig Walker quitte le groupe en novembre 2004, quelques jours avant la sortie d'Unplugged.

Phase collective (2005-2009)

À la suite du départ soudain de Walker, le groupe recherche un renouveau. En 2006, le single System de l'album Lights sort avec de nouveaux chanteurs : David Penney (un ami du groupe, déjà présent sur la précédente tournée), Pollard Berrier (du collectif autrichien Bauchklang) et Maria Q (également présente sur la précédente tournée). Le genre musical devient dès lors beaucoup plus progressif, délaissant l'électro trip hop des premiers albums.

En mars 2009, le groupe sort son huitième album studio, Controlling Crowds. Il marque le retour du rappeur Rosko John, ancien chanteur du groupe sur Londinium. En octobre, la suite de Controlling Crowds est diffusée sous le titre Controlling Crowds Part IV, et révèle les titres enregistrés en studio mais non produits en mars 2009.

En juillet 2010, le groupe annonce vouloir produire lui-même un DVD live financé par les fans eux-mêmes. À la fin de 2010, Darius Keeler et Danny Griffiths réalisent trois titres de l'album Bleu noir de l'artiste française Mylène Farmer : Light Me Up, Leila et Diabolique mon ange. Darius compose les morceaux de celles-ci ; Steve Harris, Smiley et Jonathan Noyce, ont participé à leur enregistrement ; ce qui fait que les sonorités collent à l'univers d'Archive.

Après une première expérience en septembre 2007 où Archive avait donné un concert unique à Cannes avec l'orchestre régional, le groupe se lance en 2011 dans une série de spectacles orchestraux à travers toute l'Europe.

Nouveaux albums (2010-2015)

En novembre 2011, le groupe met en ligne un nouveau site officiel et annonce un prochain retour en studio pour l'enregistrement de leur neuvième album With Us Until You're Dead, prévu pour le 27 août 2012. Le clip Violently, premier single de leur neuvième album studio, est dévoilé par le biais de leur site en mai. C'est une nouvelle chanteuse, Holly Martin, qui assure l'ensemble de la partie vocale. Ces premiers extraits font état d'un style davantage orienté vers le rock. La tournée d'hiver 2012 voit le groupe se produire deux soirs consécutifs au Zénith de Paris (les 16 et 17 novembre 2012) ; Rosko John ne fait pas partie du dernier album With Us Until You're Dead. L’intégration de la nouvelle chanteuse permet au groupe de nouveaux arrangements de certains de ses succès tels que You Make me Feel, interprété en duo, faisant la part belle aux harmonies entre les deux chanteuses.

Pour 2014, Le collectif annonce deux sorties. Le 12 mai 2014 est publié Axiom en guise de prochain album, un court métrage du même nom porté par Archive et le collectif espagnol NYSU. Le groupe était présent au London Sundance Film Festival le 25 avril 2014 pour une avant-première du court métrage. De plus, une date au Roundhouse de Londres a été programmée pour le 29 mai 2014 où le groupe interpréta l'intégralité de l'album Axiom en diffusant le court métrage simultanément (quarante minutes).

Restriction paraît en janvier 2015. Dans la continuité des deux précédentes publications du collectif, il conserve les mêmes chanteurs mais le guitariste Steve Harris est absent de cet opus. Il est remplacé à la guitare par Mickey Hurcombe, qui collaborait déjà au collectif. Le 4 décembre 2015, paraît Unrestricted, qui n'est autre que l'album Restriction remixé par différents artistes. Les titres ont été proposés à l'écoute durant les deux mois précédant la sortie du disque.

The False Foundation (2016-2018)

Après plusieurs teasers de quelques secondes depuis le début du printemps, le 1^er juin 2016, Archive annonce sur les réseaux sociaux la tournée Kings of the False Foundation tour prévue pour novembre 2016. Les villes annoncées sont : Amsterdam, Varsovie, Pozna?, Berlin, Hambourg, Munich, Cologne, Milan, Zurich, Bruxelles et Paris. Cette tournée a précédé la sortie, le 7 octobre 2016, de l'album The False Foundation en CD et double vinyle.

En octobre 2016, paraît The False Foundation. Plus électronique, cet album fait l'objet d'une tournée qui sera un succès et verra la popularité du groupe croître.

Leur participation au festival Europavox de Clermont-Ferrand en juin 2017 est très remarquée à la Coopérative de Mai qui affichait complet.

25 (2019)

Afin de célébrer le vingt-cinquième anniversaire du collectif, Archive publie, le 10 mai 2019, l’album 25, un best of agrémenté de huit titres inédits, parmi lesquels Remains of Nothing en collaboration avec Band of Skulls.

L’album 25 est décliné en coffrets six vinyles, deux ou quatre CD dans différentes variations. Le collectif devait éditer également la captation du concert donné à la Seine musicale le 16 mai 2019 sous le titre Live in Paris sous différents formats (vinyle, CD, DVD, Bluray, etc.). Mais le groupe annoncera que ce DVD ne verra pas le jour, pour des raisons indépendantes de leur volonté. À la place, un DVD issu de captation de différents concerts de la grande tournée européenne « 25 Tour » verra le jour dans quelques mois.^{[réf. nécessaire]}

Style musical

Le style musical qu'emprunte Archive est né avec le trip hop sur les deux premiers albums. Désormais, le groupe propose une musique touchant au trip hop, mais en fusionnant l'electro au progressif, au rock et à l'ambient. Keeler et Griffiths viennent terminer la ligne musicale complexe d'Archive avec les synthétiseurs et les samples.

Il existe plusieurs interviews dans lesquelles certains membres du groupe (dont Darius Keeler) déclarent considérer leur musique comme étant du rock progressif, notamment dans leur manière de composer (mélange de genre, complexité musicale, éléments mélodiques, longues parties instrumentales, etc.). La majorité des groupes de ce genre possédant une sonorité propre, complexe et dure à définir, il est donc possible de faire une affiliation avec Archive.

On peut ainsi faire le rapprochement avec Pink Floyd, dans l'esprit du moins. Cela vaut pour la longueur de certains morceaux (Waste, Again, Lights, Finding it so hard, Controlling Crowds, Calling ou d'autres, qui dépassent les neuf minutes), pour l'atmosphère (en particulier pour Again, à l'ambiance très proche de l'album Animals des Pink Floyd, ou le sonar de Seamless qui n'est pas sans rappeler celui du titre Echoes, qui clôt leur album Meddle) ainsi qu'un certain pessimisme dans les textes^{[réf. nécessaire]}.

Membres

Membres actuels

• Darius Keeler : claviers (depuis 1994)
• Danny Griffiths : claviers, effets, samples, basse (depuis 1994)
• Maria Q : chant, chœurs (depuis 2001)
• Dave Pen : guitare, chant (depuis 2004)
• Pollard Berrier : chant, guitare (depuis 2005)
• Holly Martin : chant (depuis 2012)

Membres additionnels

• Steve « Smiley » Barnard : batterie (depuis 2001)
• Jonathan Noyce : guitare basse (depuis 2007)
• Mickey Hurcombe : guitare depuis 2014

Anciens membres

• Roya Arab : chant sur Londinium (1994-1996)
• Suzanne Wooder : chant sur Take My Head (1999-2001)
• Matt Martin : batterie sur Take My Head (plus quelques autres apparitions sur les autres disques) (1999-2001)
• Craig Walker : chant et guitare sur You All Look the Same to Me, Michel Vaillant, Unplugged et Noise (2001-2004)
• Lee Pomeroy : basse (1999-2006)
• Steve « La Menace » Davis : guitare basse (?-2011)
• Rosko John : chant rap sur les albums Londinium et Controlling Crowds I à IV.
• Steve Harris : guitare (1999-2014)

Discographie

Albums studio

• 1996 : Londinium
• 1999 : Take My Head
• 2002 : You All Look the Same to Me
• 2003 : Michel Vaillant
• 2004 : Noise
• 2006 : Lights
• 2009 : Controlling Crowds
• 2009 : Controlling Crowds Part IV
• 2012 : With Us Until You're Dead
• 2014 : Axiom
• 2015 : Restriction
• 2016 : The False Foundation

EP

Compilations

Albums live

Bandes originales

Collaborations

• 2010 - Mylène Farmer. Réalisation de trois titres de son album Bleu noir : Light Me Up, Leila, Diabolique mon ange.
• 2019 - Band of Skulls. Le groupe s'associe à Archive sur le single Remains of Nothing, qui annonce l'album anniversaire rétrospectif 25 à paraître le 10 mai 2019 chez Dangervist via PIAS

Cinéma et télévision

• Le titre Again de l'album You All Look the Same to Me a été utilisé à plusieurs reprises en France. On le retrouve notamment dans le générique de la série Clara Sheller, sur la bande annonce du film La Fille du RER d'André Téchiné (2009), au générique du film Avant qu'il ne soit trop tard de Laurent Dussaux (2004) et sur la bande annonce du film La Vie promise d'Olivier Dahan (2002).
• Le titre Fuck U de l'album Noise fait partie de la bande originale du film Les Irréductibles de Renaud Bertrand (2006).
• Le titre Nothing else de l'album Londinium fait partie de la bande originale du film Déjà mort d'Olivier Dahan (1997). Le titre a également été utilisé dans le générique final du court-métrage Poussières de Daniel Metge (2013).
• Le titre Lights de l'album du même nom fait partie de la bande originale du film Le Syndrome du Titanic de Nicolas Hulot. Le titre a également été utilisé pour la première publicité du site Meetic et pour une publicité de la chaîne sportive beIN Sport.
• Le titre Collapse/Collide est présent au générique de fin du film Secret défense de Philippe Haïm (2008).
• Le titre You Make me Feel de l'album Take my head est la musique d'une publicité Levi's. Il apparaît aussi en illustration sonore, en novembre 2012, pour une publicité Garnier et il est utilisé pour le clip Free Fall de l’apnéiste français Guillaume Néry (où il plonge en apnée dans le Trou bleu de Dean).
• Bande originale du film Michel Vaillant (2003).
• Le titre Programmed de l'album Lights apparaît dans le film Passion de Brian De Palma en 2012.
• Le titre Bullets apparaît dans le premier teaser du jeu vidéo Cyberpunk 2077, en janvier 2013. Le même titre apparaît également dans la bande annonce du film La Mante religieuse, en juin 2014.

Remixes

• Archive a remixé le morceau Pigs and their Farms du groupe The Unisex.
• Archive a remixé le morceau Off de l'album On/Off/Safety/Danger du groupe BirdPen. Il y est présent en tant que bonus track.

Reprises

La chanson Fuck U a été reprise par Placebo en 2009.

Notes et références

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • MusicBrainz
  • Songfacts
  • (en) Discogs
  • (de) Laut.de
  • (en) Songkick
• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • (en) Internet Movie Database
• Site officiel

Birdy Nam Nam (BNN) est un groupe français de musique électronique, lauréat du titre de champion du monde de DJ en équipe en 2002 au concours DMC. Il est issu de l'ancien collectif Skratch Action Hiro, deux fois troisième à ce même concours en 1999 et 2001. Birdy Nam Nam est composé de trois membres : Crazy B, Little Mike, DJ Need (DJ Pone a quitté le groupe en 2014).

Leur nom est tiré du film La Party, avec Peter Sellers, où ce dernier interprète un figurant indien. Il est invité par erreur dans une soirée, dans laquelle il voit un oiseau et en voulant le nourrir, lui dit à plusieurs reprises « birdy nam nam » (« birdie num num » en réalité). Ce passage du film est intégré au titre Ready for War, Ready for Whut?

Style

Chaque membre du trio utilise sa platine tel un instrument en manipulant des samples tirés de disques vinyles variés, technique appelée turntablism. Leurs influences sont diverses : hip-hop, trip hop, groove, rock, jazz, funk, bass music, R&B, etc.

Histoire

Leur premier album Birdy Nam Nam est sorti le 25 octobre 2005. En 2007 sort un maxi nommé Trans Boulogne Express (référence à Trans-Europe Express de Kraftwerk), orienté dancefloor. En juillet 2008, ils font une apparition au Festival en Othe.

Leur deuxième album est sorti le 12 janvier 2009 et s'appelle Manual for Successful Rioting. Produit notamment par Yuksek et Justice, il vise également les dancefloors et comporte une partie des nouvelles créations utilisées par le groupe durant leurs derniers concerts en public.

En 2010, le groupe remporte le Prix de la révélation électronique ou dance de l'année, aux Victoires de la musique.

Leur troisième album sorti le 19 septembre 2011 s'intitule Defiant Order et est produit par Para One.

En 2012, ils obtiennent une plus large audience dans le monde anglophone grâce à Skrillex. La rencontre s'est faite au Festival des Artefacts, à Strasbourg. Skrillex joue après Birdy Nam Nam et est très impressionné, il remixe alors leur titre Goin' In et le sort sur son label OWSLA, un album de remix, Jaded Future.

En 2015, Birdy Nam Nam annonce son retour, avec un nouvel album, Dance or Die, et une tournée française, sans DJ Pone. L'album sort le 16 septembre 2016. Il est produit par Little Mike.

Compétition

• Scratch Action Hero :
  • 1999 :
    • Champion de France DMC
    • 3^e au championnat du monde DMC
  • 2000 :
    • Champion de France DMC
    • Champion d'Europe ITF
    • Champion du monde ITF
  • 2001 :
    • 3^e au championnat du monde DMC
• Birdy Nam Nam :
  • 2002 :
    • Champion du monde DMC (sans DJ Pone se réservant à la catégorie individuelle)

Discographie

Albums

EP et Singles

Vidéographie

• Live au Zenith de Paris 2011 (Defiant Order Tour).

Notes et références

Voir aussi

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • MusicBrainz
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs
  • (en) Songkick
• Site officiel

Les Blankass ont la particularité de soutenir plusieurs causes qui leur tiennent à cœur. Ils ont notamment participé à des concerts et à la réalisation d'un CD pour le Tibet Libre. Ils soutiennent également les étrangers en situation irrégulière avec un titre sur le CD du GISTI et, plus récemment, en soutenant Zolboot, enfant mongol menacé d'expulsion.

Un nouvel album, dénommé "Les Chevals", est sorti le 6 février 2012.

Les titres de Blankass les plus célèbres sont : La couleur des blés, La croisée, Fatigué, Pas des chiens, L'ère de rien, Rendez-vous...

Membres du groupe

• Guillaume Ledoux : chant et accordéon
• Johan Ledoux : guitare et chant
• Bruno Marande : basse (1994 à 2008)
• Philippe Ribaudeau : flûte, saxophone, harmonica, ... (1990 à 2008)
• Olivier Robineau : batterie (1994 à 2006)
• Charlie Poggio : batterie (avant 1994 et depuis 08/2006)
• Cédric Milard : clavier (depuis 2005)
• Nicolas Combrouze : guitare (1990 à 2005)
• François Poggio : guitare (2007 à 2008)
• Nicolas Bravin : guitare (2005 à 2006)
• Pierre Simon : guitare (depuis 2011)
• Sabine Quinet : basse (depuis 2011)

Discographie

• 15.01.1996 - Blankass
• 02.02.1999 - L'Ère de rien
• 01.04.2003 - L'Homme fleur
• 17.10.2005 - Elliott
• 25.03.2008 - Un concert (CD + DVD)
• 06.02.2012 - Les Chevals
• 14.04.2014 - Je me souviens de tout

Récompenses

• Prix Roger Seiller :
  • Prix du Groupe français (1997)

• Victoires de la musique :
  • Nomination dans la catégorie La révélation de l'année (1997)
  • Nomination dans la catégorie Groupe de l'année (1998)

• Trophée Radio France Perigueux :
  • Prix de la chanson (1997)

Liens externes

• Site officiel
• Site d'archives (le plus complet)

• (en) Blankass sur MusicBrainz

Blink-182, également stylisé blink-182, est un groupe de pop punk américain, originaire de Poway, en Californie. Formé en 1992, le groupe se compose du chanteur et guitariste Matt Skiba, du chanteur et bassiste Mark Hoppus et du batteur Travis Barker.

Avec leur batteur d'origine, Scott Raynor, et leur guitariste chanteur d'origine, Tom DeLonge, le groupe enregistre ses deux premiers albums en 1994 et 1997. Le second album, Dude Ranch, atteint un succès modéré d'environ un million de vente à travers le monde et permet au groupe de se faire connaitre. Après le remplacement de Raynor par Barker à la batterie, Blink-182 sort son troisième album en 1999, Enema of the State. Le single All the Small Things extrait de cet album atteint alors la première place du Alternative Songs, le classement américain des chansons de rock alternatif les plus diffusées à la radio, et permet au groupe d'atteindre le succès. L'album d'où est tiré All the Small Things atteindra les 15 millions de ventes dans le monde entier, c'est le record de ventes du groupe. En 2001, le groupe connaît son plus gros succès commercial avec son quatrième album, Take Off Your Pants and Jacket, qui se classe à la première place des ventes d'albums aux États-Unis, au Canada et en Allemagne. Après leur cinquième album éponyme blink-182, le groupe se sépare en 2005.

Les trois membres du groupe travaillent dès lors sur d'autres projets musicaux, dont Angels & Airwaves fondé par Tom DeLonge et +44 fondé par Mark Hoppus et Travis Barker. Le groupe annonce sa reformation en 2009, et sort en 2011 son sixième album, Neighborhoods. En 2012, le groupe devient indépendant à la suite de sa séparation de la maison de disques Interscope Records. Incapable de se rendre disponible pour faire plus que quelques concerts et enregistrer un nouvel album avec ses deux collègues, DeLonge est exclu du groupe début 2015.

Biographie

Formation et débuts (1992-1996)

Après avoir été renvoyé de son école secondaire, Poway High School, pour avoir été surpris ivre lors d'une partie de basket-ball, Tom DeLonge commence à se consacrer au punk (après avoir découvert The Descendents lors d'un séjour en camping) et à se passionner pour le skateboard. Il est alors placé dans une autre école où il fait la connaissance d'une certaine Anne Hoppus, petite amie d'un de ses proches, qui présente ce dernier à son frère Mark Hoppus, se disant qu'ils pourraient former un groupe ensemble. Rapidement, ils écrivent leur première chanson : Carousel. Ce morceau est globalement composé moins d'une heure après leur rencontre : Mark Hoppus montre à DeLonge une ligne de basse sur laquelle il travaillait, et Delonge lui montre un riff que lui-même travaillait. Ils se rendent compte que leur travail s'accorde bien, et le morceau naît rapidement. Tom DeLonge fait alors appel à un ami, âgé de 14 ans, Scott Raynor pour devenir le batteur du groupe.

Le groupe enfin complet peut commencer à enchaîner les répétitions, et à créer les premières chansons de leur répertoire. Le groupe va tout d'abord s'appeler Duck Tape, et prendre un canard pour mascotte. Puis très vite le groupe abandonne son nom et sa mascotte au profit d'un nom plus sérieux, Blink, et d'une autre mascotte, un lapin. En mai 1993, Blink sort sa première démo, Flyswatter, enregistrée dans la chambre du batteur du groupe. Cette démo, mise en boîte avec un matériel simple impliquant un enregistrement de mauvaise qualité, s'est vendue à une cinquantaine d'exemplaires, d'après Mark Hoppus. La même année, le groupe sort une deuxième démo intitulée sobrement Demo #2, qui mêle nouvelles chansons et reprises de Flyswatter.

Après des débuts difficiles (pas de spectateurs, bannissement des bars et des cafés), le groupe réussit tout de même à se produire dans quelques clubs de San Diego. Il décroche son premier contrat avec le label Kung Fu Records et enregistre une troisième démo : Buddha à la fin de cette même année 1993. Environ 1 500 copies de cette démo sont produites par Filter Records. En 1995, le premier véritable album du groupe, Cheshire Cat, est commercialisé et devient rapidement l'album révélation du groupe^{[réf. souhaitée]}. Produit par Grilled Cheese Records, l'album contient d'anciennes chansons apparues dans les trois premières démos du groupe. Cette même année, peu après la sortie de l'album, un groupe de pop irlandais également appelé Blink porte plainte, et le nom est changé en Blink-182. D'après les rumeurs, 182 désigne le nombre de fois qu'Al Pacino prononce le mot Fuck (« putain ») dans le film Scarface^{[source insuffisante]}. En 1996, à une période où le style punk-rock revient en vogue, Blink-182 signe avec le label MCA qui devient plus tard Geffen Records.

Premiers succès et célébrité (1996-2002)

Après un déménagement à Encinitas, toujours en Californie, Blink-182 enregistre en 1997 un deuxième album, Dude Ranch, produit par Mark Trombino. L'album, et en particulier les singles Josie et Dammit (Growing Up), remporte un grand succès commercial^,. Le groupe connaît l'année suivante ses premières difficultés. Scott Raynor, pour qui le groupe n'est qu'un divertissement passager, rencontre de sérieux problèmes d'alcoolisme et est contraint de quitter le groupe pour entrer dans un centre de désintoxication. D'après d'autres sources, Scott Raynor abandonne simplement le groupe pour se concentrer sur ses études. Son départ, qui intervient pendant une tournée aux États-Unis, pousse Mark Hoppus et Tom Delonge à engager rapidement Travis Barker en remplacement pour la tournée. Malgré le souhait de Scott Raynor de revenir au sein du groupe, les deux leaders décident de conserver définitivement Travis Barker comme batteur du groupe.

En 1999, Enema of the State, leur troisième album, produit par Jerry Finn, remporte un tel succès qu'il propulse le groupe aux sommets des charts américains. Le groupe devient même très populaire dans l'industrie de la pop en général. L'album doit principalement son succès commercial aux chansons What's My Age Again?, Adam's Song et All the Small Things. Enema of the State se vend à près de 16 millions de copies à travers le monde (dont 300 000 en France). Musicalement, ce troisième album est construit sur des mélodies classiques des groupes de cette époque (NOFX, Green Day, The Offspring?) en ayant toutefois pris soin de clarifier les sons et de simplifier les distorsions. Ce choix musical permet d'ouvrir le groupe à un plus large public mais est par la même occasion la source de nombreuses critiques de certains fans.

L'année suivante, en 2000, sort leur premier et unique album live The Mark, Tom, and Travis Show (The Enema Strikes Back!). L'album contient les principaux succès des trois albums Cheshire Cat, Dude Ranch et Enema of the State ainsi qu'une chanson inédite enregistrée en studio : Man Overboard. L'album, tiré en édition limitée, est, depuis, devenu un collector particulièrement recherché. Pour parachever l'énorme succès de sa compilation, le trio californien participe à The Honda Civic Tour en 2001. Le 12 juin 2001 paraît Take Off Your Pants and Jacket qui s'installe dans la continuité musicale et commerciale du groupe et se vend à plus de 8 millions d'exemplaires. Les premiers albums sont sortis en différentes versions incluant des bonus différents sur chaque version. Ces chansons, Fuck a Dog, Mother's Day et When You Fucked Grandpa sont considérées comme des chansons humoristiques sans grande valeur musicale. L'album contient toutefois des chansons plus sérieuses à l'instar de Time to Break Up, Don't Tell Me That It's Over et What Went Wrong. Pour la sortie de cet album, une tournée européenne est organisée à l'hiver 2001 mais finalement annulée à la suite des attentats du 11 septembre 2001. Repoussée en 2002, la tournée est finalement abandonnée quand surviennent des problèmes de dos pour Tom DeLonge.

Projets parallèles et retrouvailles (2002-2005)

L'été 2002, Blink-182 et Green Day organisent conjointement le Pop Disaster Tour avec la participation de Jimmy Eat World, Saves The Day et Kut U Up. Durant cette tournée, à cause de ses douleurs récurrentes au dos, Tom DeLonge commence ses premières réalisations en solo. Poussé par des réalisations finalement intéressantes et nombreuses, il s'associe à Barker, à la batterie, et à un ancien ami David Kennedy, à la guitare, pour former le projet Box Car Racer. Ce n'est qu'après la sortie de l'album qu'ils se décident à engager un bassiste ; c'est Anthony Celestino qui est choisi. Le nom du projet provient du bombardier Bockscar, responsable du largage de la seconde bombe atomique à Nagasaki à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Les deux singles extraits de l'album qui porte le nom du groupe sont I Feel So et There Is. L'enregistrement inclut également des invités comme Tim Armstrong (Rancid, Operation Ivy, Transplants), Jordan Pundik (New Found Glory) dans Cat Like Thief et Mark Hoppus dans Elevator.

La réalisation de ce projet est, selon Tom DeLonge, la raison principale de la séparation de Blink-182 en 2005. Peu après Box Car Racer, Barker est invité à participer à un autre projet connu sous le nom de Transplants. Le groupe sort trois albums : Transplants en 2002, Haunted Cities en 2005, et In a War Zone en 2013. Après un an de repos, un album plus mature et réfléchi voit le jour le 18 novembre 2003. Conçu comme une méditation intérieure du déclin romantique, l'album inclut quatre succès : Feeling This, I Miss You, Down et Always. Selon Travis Barker, ne pas nommer l'album est un moyen d'y symboliser le renouveau du groupe. Les critiques fustigent un son trop emprunté aux groupes The Police ou U2, et ce malgré d'incessantes mises au point des membres du groupe qui y voient une influence plus forte du groupe The Cure, argument soutenu par l'apparition de Robert Smith dans le titre All of This. Néanmoins, les puristes du groupe peuvent y retrouver des sonorités plus habituelles à l'instar des titres Go ou Feeling This. Vers la fin 2003, le groupe s'embarque pour la tournée Dollar Bill qui connait un grand succès notamment en raison des prix bas des places pour les concerts (1 $). Trois ans après sa sortie, l'album s'est vendu à près de 10 millions d'exemplaires à travers le monde^{[réf. nécessaire]}.

Séparation (2005-2009)

C'est durant cette dernière tournée, et malgré cet album de la réconciliation, que la séparation du groupe devient de plus en plus évidente, la tension devenant trop pesante et les rancœurs entre Tom et Mark trop fortes. En outre, Tom commence à se lasser des tournées et souhaite se rapprocher de sa famille. La tension est telle que le dernier concert, organisé en hommage aux victimes du tremblement de terre de 2004 en Indonésie, est définitivement annulé. Après quelques tentatives de concerts et de tournées avortées en Californie sans Tom DeLonge, la séparation devient effective et officielle le 22 février 2005. Mis à part Travis Barker, les membres du groupe sont, jusqu'en septembre de la même année, relativement discrets en commentaires et explications vis-à-vis de cette séparation. C'est ainsi que, pendant une longue période, il n'existe aucune raison officielle de leur séparation, tandis que les rumeurs de tension entre Mark et Tom sont sans cesse réfutées par le second. Cependant, dans une interview de Mark Hoppus donnée au site internet B182.com en septembre 2006, celui-ci met une nouvelle fois en cause Tom DeLonge et son mutisme nécessitant l'intervention de son manager pour expliquer la situation aux autres membres du groupe. Dans cette même interview, Mark va plus loin en déplorant la qualité du premier album de Angels and Airwaves, le nouveau groupe de Tom DeLonge, qu'il juge lent, répétitif et déjà-vu et affirmant que « Tom veut montrer qu'il est un artiste » et que « Tom sait mieux parler de bonne musique qu'en faire^{[réf. nécessaire]}. »

À la suite de cette séparation, Geffen Records sort en octobre 2005 un album regroupant les meilleurs titres du groupe ainsi que quelques anciennes chansons qui n'avaient pas été éditées. L'album, Greatest Hits, atteint très vite les sommets des ventes aux États-Unis. Par la suite, chaque membre du groupe travaille sur un projet distinct. Tom DeLonge est avec le groupe Angels and Airwaves qui sort son premier album We Don't Need to Whisper le 23 mai 2006 et un second nommé I-Empire fin 2007. Travis Barker, quant à lui, travaille toujours avec Skinhead Rob malgré l'arrêt du groupe Transplants. Leur dernière collaboration aboutit à un nouveau projet dénommé Expensive Taste, projet qui intègre le rappeur Paul Wall. Travis Barker travaille également avec Avril Lavigne sur son dernier album The Best Damn Thing sorti en 2007. Mark Hoppus et Travis Barker continuent également de leur côté à travailler sur +44, groupe créé durant la dernière tournée européenne (qui est également la dernière tournée du groupe) et plus précisément en Angleterre (+44 étant l'indice téléphonique pour appeler vers l'Angleterre quand on est à l'étranger), et qui sort son premier album When Your Heart Stops Beating le 14 novembre 2006.

Jerry Finn, considéré comme le plus grand producteur punk-rock des années 1990, et connu pour avoir travaillé avec des groupes comme Green Day, The Offspring et Sum 41, décède d'une attaque cérébrale le 9 août 2008 à l'âge de 39 ans. Mark, Travis et Tom sont très affectés par sa mort car, bien que producteur, il était avant tout un grand ami^,. Le vendredi 19 septembre 2008, Travis Barker est grièvement blessé lors du crash d'un avion privé, en Caroline du Sud. Brulé au troisième degré sur une majeure partie du corps, il est admis en soins intensifs dans un service pour grands brûlés, il en ressort le 29 septembre et entre par la suite dans un hôpital de Los Angeles. Quatre personnes, dont deux membres de l'équipage, sont tuées dans cet accident.

Réunion et Neighborhoods (2009-2013)

Les trois membres du groupe se réunissent le 8 février 2009 lors de la 51^e édition des Grammy Awards afin de décerner un prix. Lors du discours précédant la remise, le trio annonce la reformation de Blink-182 : « We used to play music together, and we decided we're going to play music together again. Blink-182 is back! ». Le 9 juin 2009, le groupe se produit en live dans le Jimmy Kimmel Show. Les morceaux Dammit, Josie, What's My Age Again ?, Reckless Abandon, Don't Leave Me ainsi que Down, Feeling This et Dumpweed sont joués. Le groupe semble redevenu comme il l'était à ses débuts : de l'humour et du décalé. Ils jouent aussi, au Daily Habbit, la chanson The Rock Show. À partir du 23 juillet et jusqu'en octobre, le groupe part en tournée au Canada et aux États-Unis pour une série de plus de quarante concerts avec comme invités Weezer, Fall Out Boy, Panic! at the Disco et bien d'autres encore. La sortie d'une nouvelle chanson Up All Night est annoncée sur de multiples sites internet, Blink-182 annonce même qu'il compte la jouer lors de la tournée américaine et canadienne à l'été 2009 mais l'idée est abandonnée, le groupe préférant que la chanson sorte des studios avant de la jouer en public. Concernant le nouvel album, Mark le confirme dans une interview^{[Laquelle ?]}, les concerts ainsi que chaque projet des membres du groupe ne facilitent pas l'avancée de l'album. Il rajoute que le groupe travaille en studio et que l'album n'est pas une priorité à l'heure actuelle. Ce dernier reste attendu pour au minimum 2010 mais il pourrait sortir à n'importe quel moment de cette nouvelle décennie, toujours d'après ses dires. Le groupe part pour une tournée européenne lors de l'été 2010, passant par le festival parisien Rock en Seine le 27 août, puis pour une nouvelle série de concerts aux États-Unis^{[réf. nécessaire]}.

Début 2011, le groupe annonce une nouvelle tournée européenne qui débute mi-juin lors d'un festival en Allemagne. En février 2011, Travis Barker annonce sur une vidéo postée sur le net par un fan que l'album sortirait à la fin de l'année 2011 ou en 2012. Le même mois, dans une interview publiée par MTV, Travis confirme que la sortie de l'album est prévue pour l'été 2011, et précise que « tous les futurs morceaux présents dans cet album sont terminés et qu'ils ne changeront plus. » Dans une interview donnée au magazine Rocksound, Tom DeLonge annonce de son côté que « l'album sort clairement cet été environ au même moment que la tournée britannique, et qu'il n'y aura pas de tournée si l'album n'est pas terminé. » Après quoi le groupe annonce sur son site officiel que la tournée européenne prévue pour l'été 2011 est reportée à l'été suivant et que l'album devrait sortir avant la fin de l'année 2011. Le 14 juillet 2011, Blink-182 dévoile enfin le titre Up All Night sur son site internet. Quelques jours plus tard, Mark Hoppus annonce que le prochain album a pour nom Neighborhoods et que sa sortie est prévue pour le 27 septembre 2011, la veille en Europe. L'album est disponible en version classique et en version deluxe (trois chansons inédites en plus). Le 4 août, Blink-182 dévoile un second nouveau titre Heart's All Gone. Le 26 août, le clip de Up All Night est diffusé pour la première fois sur le site officiel du groupe. Le 6 septembre, la chanson After Midnight est mise en ligne par le groupe californien.

En octobre 2012, le groupe annonce avoir quitté la maison de disques Interscope Records et par la même occasion devenir un groupe indépendant. Blink-182 sort le 18 décembre 2012 un maxi intitulé Dogs Eating Dogs, enregistré dans un studio de Los Angeles et vendu en trois packs sur leur site officiel, le premier single étant Boxing Day^{[réf. nécessaire]}.

Départ de DeLonge, arrivée de Skiba et California (2014-2017)

Début décembre 2013, à la suite de l'annonce des têtes d'affiche pour les Reading and Leeds Festivals 2014 dont fait partie Blink-182, Mark Hoppus déclare que le groupe s'y produira avec les chansons de l'album publié avant l'événement d'août. Le 14 juillet 2014, Tom DeLonge annonce via les réseaux sociaux que les répétitions reprennent et qu'il y aura bien un nouvel album : « les répétitions commencent aujourd'hui? Et oui, il y aura un nouvel album ». Il s'excuse pour l'attente, mais ne donne aucune information quant à la date de sortie.

Alors que le groupe semble enfin prêt à entrer en studio début janvier 2015 pour y enregistrer son septième album studio, des rumeurs annoncent le départ de DeLonge à la fin du mois, Hoppus et Barker ayant reçu un courriel du manager de celui-ci le 30 décembre expliquant qu'il n'assisterait pas à la session qui commence le 5 janvier. À la suite du buzz créé par l'information, DeLonge tient à affirmer qu'il fait toujours partie de Blink-182 et qu'il était d'ailleurs au téléphone pour organiser leur participation au Musink Tattoo Convention and Music Festival 2015 lorsqu'il a appris la nouvelle^,. Les deux autres membres confient alors au Rolling Stone « qu'ils en ont assez de couvrir Tom » et qu'ils ont l'impression de « revivre la même situation que dix ans plus tôt ». Ils expliquent avoir trouvé un contrat avec un label, que Tom « les a planté » et confirment « qu'il n'a techniquement pas quitté le groupe », mais que « son comportement ingrat et irrespectueux » les pousse à l'exclure du groupe. Barker ajoute que DeLonge « ne veut pas enregistrer d'album, mais juste faire quelques spectacles avec Blink quand il a besoin d'argent ». DeLonge répond via une lettre ouverte sur sa page Facebook, dans laquelle il considère que le groupe « s'est saboté tout seul » avec Dogs Eating Dogs et que cela avait altéré leurs relations, « coupant quasi-toute discussion entre eux depuis ». Il décrit leur nouveau contrat comme « impossible pour lui », puisque cela l'oblige à quitter toutes ses activités autour d'Angels and Airwaves alors que des bandes dessinées, des livres et un film sont prévus et se dit « triste que les gens soient témoins de leur immaturité ». Hoppus confirme en parallèle la présence de Matt Skiba, chanteur et guitariste d'Alkaline Trio, à leurs côtés pour le Musink Festival le 22 mars et s'avoue optimiste sur la suite à donner de leur collaboration. De ce fait, DeLonge poste 2 courts extraits de chansons prévus à la base pour Blink-182, avant d'annoncer le 1^er mars sur son site qu'à la suite des événements, il change ses plans et sort son premier album solo To the Stars... Demos, Odds and Ends le 21 avril, un album solo avec ce qu'il a enregistré.

En juillet, Mark Hoppus confirme que Matt Skiba est un membre officiel de Blink-182. Il annonce également que le groupe rentre en studio en août pour enregistrer le nouvel album.

Le septième album du groupe intitulé California sort le 1^er juillet 2016, devancé par le single Bored to Death le 27 avril.

Nouvel album (Depuis 2018)

Le 9 novembre 2018 sort l'album Neon Future III du DJ Steve Aoki dans lequel se trouve un featuring avec Blink-182 intitué "Why Are We So Broken".

Fin 2018, le groupe annonce travailler sur des nouvelles chansons pour leur 8ème album. Ils annoncent également une collaboration avec le groupe The Chainsmokers.

Le 6 mai 2019, le groupe annonce une tournée nord américaine avec le rappeur Lil Wayne incluant les groupes Neck Deep et Simple Plan en guest. Ce même jour, le groupe sort sur sa chaine YouTube une vidéo live où Lil Wayne chante avec eux en faisant de leurs tubes respectifs "Milli" pour Lil Wayne et "What's My Age Again?" pour Blink-182 un mashup, mashup qui reçoit des avis critiques plus que mitigés.

Le jour suivant, via leur compte Instagram, le groupe annonce la sortie de la chanson "Blame It On My Youth" pour le lendemain, qui comme pour leur collaboration avec Lil Wayne reçoit des avis plus que mitigés. Le 21 juin, le groupe sort une short song et son clip intitulé "Generational Divide" qui fait office de second single.

Le 1er juillet, le groupe sort une nouvelle chanson intitulé "Happy Days", suivie le 25 juillet du morceau "Darkside".

Le nouvel album, intitulé Nine, est publié le 20 septembre 2019.

Lettres sur les pochettes

Des lettres sur les pochettes des enregistrements et les premières lettres des titres des albums et démos du groupe forment la suite des lettres de l'alphabet. On^{[Qui ?]} remarque l'enchaînement suivant : un énorme A apparaît sur la pochette de la démo Flyswatter, puis les albums Buddha, Cheshire Cat, Dude Ranch et Enema of the State commencent respectivement par les lettres B, C, D et E. Sur la pochette de l'album live The Mark, Tom, and Travis Show, on retrouve un F sur la grosse caisse de la batterie de Travis Barker représentant le logo de sa marque vestimentaire Famous Stars And Straps, puis une veste porte la lettre G sur la pochette de Take Off Your Pants and Jacket. Les lettres H et I sont plus confuses. Elles pourraient être cachées sur l'album blink-182 sur la graphie du nom du groupe derrière le b et le i et par conséquent se retrouver sur la compilation Greatest Hits qui reprend la même graphie, ou alors le H est soit formé par les deux traits de couleurs de l'album ou soit par l’œil droit du smiley, le I se retrouvant uniquement dans le mot Hits. Malgré ces éléments peu évidents qui semblent aller à l'encontre d'une série de lettres, un tag représentant un J est visible sur un immeuble de la pochette de Neighborhoods, et sur le maxi Dogs Eating Dogs, le K de blink est écrit dans une graphie différente qui le fait ressortir des autres lettres.

Interrogés à ce sujet, les membres du groupe ont affirmé qu'il s'agissait d'un hasard. Cependant, si au début ce fut probablement par hasard qu’apparaît cet enchaînement de lettres, d'autant plus que la démo Demo #2, sorti entre Flyswatter et Buddha, et le maxi They Came to Conquer... Uranus, sorti entre Cheshire Cat et Dude Ranch ne participent pas à cette série de lettres, par la suite, le groupe s'amuse à placer des lettres sur ses pochettes d'albums pour continuer cet easter egg^,.

Membres

Membres actuels

• Mark Hoppus - chant, basse, chœurs, piano (1992-2005, depuis 2009)
• Travis Barker - batterie, percussions (1998-2005, depuis 2009)
• Matt Skiba - chant, guitare, chœurs (depuis 2015)

Anciens membres

• Scott Raynor - batterie, percussions, chant, guitare (1992-1997)
• Tom DeLonge - chant, guitare, chœurs, piano, batterie (1992-2005, 2009-2015)

Membres de Tournée

• Mike Krull - batterie, percussions (1996)
• Brooks Wackerman - batterie, percussions (2013)

Chronologie

Discographie

Albums studio

• 1995 : Cheshire Cat (Grilled Cheese)
• 1997 : Dude Ranch (MCA)
• 1999 : Enema of the State (MCA)
• 2001 : Take Off Your Pants and Jacket (MCA)
• 2003 : Blink-182 (Geffen Records)
• 2011 : Neighborhoods (Interscope Records)
• 2016 : California (BMG)
• 2019 : Nine (Columbia)

Albums live

• 2000 : The Mark, Tom, and Travis Show (MCA)

Récompenses

Notes et références

Annexes

Bibliographie

Cette bibliographie présente quelques ouvrages de référence. Ceux qui ont été utilisés pour la rédaction de l'article sont indiqués par le symbole .

• (en) Anne Hoppus, Tales from Beneath Your Mom, Pocket Books/MTV Books, 2001, 105 p. (ISBN 0-7434-2207-4)
• (en) Joe Shooman, The Bands, the Breakdown and the Return, Independent Music Press, 2010, 204 p. (ISBN 978-1-906191-10-8)
• Sébastien Paquet, Blink-182 de A à Z, Editions L'Express, 2005, 117 p.

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • BBC Music
  • Last.fm
  • Munzinger Pop
  • MusicBrainz
  • Rolling Stone
  • Songfacts
  • (en) Billboard
  • (en) Discogs
  • (en) Songkick
  • (en + de) SoundCloud
  • (ru) Yandex Music

Le dernier album de Blur date de 2003. Bien qu'encore en activité, son avenir est aujourd'hui incertain.

Histoire

Débuts

Damon Albarn a rencontré Graham Coxon à Colchester, Essex, Angleterre, à la Stanway Comprehensive School, alors qu'ils n'étaient âgés que de quinze ans. Ils ne se sont plus quittés depuis. Graham a rencontré Alex James, un étudiant en français originaire de Bournemouth, dans un bar à Londres. Les trois décident en 1989 de former un groupe nommé Seymour avec Dave Rowntree, un batteur originaire de Colchester. Seymour, dont le nom évoque un personnage d'un roman de J. D. Salinger, se distingue par son énergie dégagée sur scène, et se fait découvrir par Andy Ross, directeur des disques Food. Celui-ci voudrait signer avec le groupe mais à la condition expresse de changer de nom. Albarn soumet Blur (flou, brouillard en anglais), qui fait dire à Ross que le nom fait "arty" sans être trop obscur. Blur sort un premier single, She's So High, enregistré en juillet 1990, et qui atteint péniblement le 48^e rang des charts anglais. Le second single, There's No Other Way, sorti en janvier 1991 rencontre un succès plus probant, atteignant la 8^e place en Angleterre. Le premier album, Leisure, produit par Stephen Street sort à la fin de l'été 1991, et bien qu'il atteigne la 7^e place dans les charts britanniques, n'attire pas les éloges de la presse spécialisée.

Blur et les années brit pop

En 1992, Blur cherche à se réinventer et sort un single, Popscene, qui, s'il n'atteint que la 32^e place des charts anglais, sera un des points tournants de leur carrière. En effet, c'est le début de la Britpop, et Modern Life Is Rubbish, que le groupe sort en mai 1993, deviendra l'un des albums symboles de ce nouveau courant musical. Dans cet album, Blur revient aux fondamentaux et cite les Kinks, et David Bowie comme les sources de leurs inspirations. L'album atteint la 15^e place en Angleterre, et les singles qui en sont tirés (For Tomorrow, Chemical World et Sunday Sunday) n'auront que des succès relatifs.

La reconnaissance du public viendra avec Parklife: sorti en 1994, le troisième album du groupe atteint de suite la première place des charts anglais et reste près de 90 semaines dans le classement. Le premier single, Girls & Boys, qui atteindra le top 5 en Angleterre, est un hit inspiré, qui dépeint sans concession les mœurs des banlieusards londoniens.

En 1995, The Great Escape se trouve au cœur d'une guerre cinglante avec Oasis, qui rappellent la grande rivalité entre les Beatles et The Rolling Stones orchestrée par les médias dans les années 1960, et où les rivaux se battent à coup de déclarations de plus en plus sulfureuses dans la presse. Dans cette lutte fratricide, Blur gagne la bataille du single, Country House gagnant d'une courte tête face au Roll With It d'Oasis, mais perd la guerre de l'album, étant dépassé de beaucoup par (What's the Story) Morning Glory?.

La rupture

En 1997, Blur rompt avec la Britpop en sortant un album éponyme qui atteindra la 1^re place des charts dès sa parution. Mais par une musique plus expérimentale, Blur déconcerte les fans de la première heure, et perd sa première place très rapidement. Les singles qui en sont extraits connurent une fortune différente, comme Song 2 qui atteignit le top 10 dans les charts américains et passe pour être une des chansons les plus connues du groupe.

En 1999, 13 continue de transformer Blur, qui, pour la circonstance, a changé de producteur en remplaçant Stephen Street par le très polyvalent William Orbit. Si l'on écoute successivement Bang et Caramel, on peut comprendre ce fantastique renouveau de Blur à qui il aura fallu dix ans pour explorer avec brio plusieurs genres de musique et ce à différents niveaux. On peut donc dire que Blur a su constamment se renouveler, tout en restant fidèle à son public et à ses fans. 13 ne compte que trois singles: Tender, Coffee & TV (chanté et écrit par Graham), et No Distance Left To Run. Et même si Blur a arrêté les tournées « interminables », Damon, Graham, Alex et Dave continuent les concerts, ce qui leur a d'ailleurs valu un « Q Award » pour « Best Live Act in the World ».

Très concerné par l'image, Blur a toujours accordé beaucoup d'importance à l'aspect visuel de son œuvre. Le caractère expérimental du groupe l'a incité à collaborer avec des artistes tels que Damien Hirst, Tomas Vinterburg, Sophie Muller ou Julian Opie, dont les portraits des musiciens ont illustré Blur: The Best of en 2000.

Tous les membres du groupe ont également pu s'exprimer via d'autres projets : Alex est redevenu une pop star avec Fat Les tandis que Dave s'est consacré à l'animation sur ordinateur. Ils sont également devenus pilotes et soutiennent le projet British Unmanned Probe. Quant à Damon, il a publié « Mali Music », en collaboration avec des musiciens africains, et connu une nouvelle fois le succès avec le groupe virtuel Gorillaz. Quant au guitariste Graham Coxon, il a préféré continuer sa carrière de son côté et former son groupe où il peut chanter tout à son aise.

En 2003, les musiciens ont hâte de tester leur nouvelle configuration (le groupe sera augmenté d'un saxophoniste, d'un percussionniste, de choriste et d'autres surprises). Résultat ? Think Tank, septième album et premier en trio, Graham s'étant fermement séparé du reste de la bande à cause de problèmes d'alcool qui généreraient des tensions toujours plus vives. Cet album s'impose comme le plus groovy de la carrière du groupe, caractérisé par un éclectisme de rythmes, de textures et de mélodies. En 2007, Damon Albarn s'implique dans la création d'un nouveau projet : The Good, the Bad and the Queen.

Retour sur scène triomphal

Le groupe au complet a annoncé sa reformation lors d'une conférence de presse le 9 décembre 2008. Le 13 juin 2009, Blur a fait sa première réapparition publique lors d'un concert de deux heures au East Anglian Railway Museum de Colchester, le même endroit où ils s'étaient produits 20 ans plus tôt sous le nom de Seymour lors d'une fête d'anniversaire. Ils ont également fait part de leur participation au festival de Glastonbury 2009 en tant que tête d'affiche, et à un concert à Hyde Park le 3 juillet 2009, pour le plus gros concert (hors festival) du groupe, qui fêtera son 20^e anniversaire cette même année. Le groupe a annoncé une date supplémentaire pour cet événement, le 2 juillet 2009, du fait que la première affichait "complet" le jour même de la mise en vente des places. Plusieurs autres dates en Angleterre seraient prévues. Une unique date en France, au Festival des Nuits de Fourvière, le 5 juillet a aussi été annoncée par le groupe. Pour cette unique date dans l'hexagone toutes les places ont été vendues en moins d'une heure et demie. Cette mini-tournée s'est avérée triomphale, avec un public enthousiaste, heureux de pouvoir voir le groupe au complet sur scène. Albarn et ses comparses ont, à chaque date, joué l'essentiel de leurs tubes ainsi que plusieurs autres chansons de leur répertoire, portant ainsi la set-list à plus d'une vingtaine de morceaux (environ 2h15 de concert). Suite à cette tournée, le concert enregistré à Hyde Park a fait l'objet d'un album, All the People... Blur: Live in Hyde Park, album vendu uniquement le soir du concert pour 15 £ et sur internet (sous forme de téléchargement), cette fois au prix de 10 £. Fin 2009, l'album a finalement été commercialisé en magasin. Le DVD du Live in Hyde Park est sorti le 15 février 2010, accompagnant un film-documentaire leur est consacré. Il retrace leur histoire, les concerts de cet été, le tout agrémenté d'images d'archives inédites. Il s'appelle No Distance Left To Run . L'autre groupe de Damon Albarn, Gorillaz sort un nouvel opus intitulé Plastic Beach, avec de nombreux artistes invités tels que Snoop Dogg ou Lou Reed.

Le 9 avril 2010, un titre inédit est annoncé par la presse britannique. La sortie du single est prévue le 17 avril 2010, à l'occasion du Record Store Day, manifestation destinée à soutenir les disquaires indépendants, sous la forme d'un vinyle dont l'édition est limitée à 1000 copies. La décision est finalement prise de rendre le titre, "Fool's Day", à disposition gratuitement sur le site officiel du groupe de manière à éviter que les fans obtiennent une version illégale qui serait de moins bonne qualité.

2012, un nouvel album ?

En février, alors que le groupe est destiné à recevoir plusieurs récompenses musicales aux « Brit Awards 2012 », Graham annonce officiellement que le groupe s'attelle à un nouvel opus ; « 2009 fut comme une thérapie de groupe [...], nous avons finalement réalisé tout ce que nous avions encore en commun et que nous étions encore une bande de potes, et de frères. [...] Même si les choses ne se passeront pas comme prévues, Blur poursuivra son chemin, [...] (car) nous aimons encore jouer ensemble ». Cette déclaration est cependant contrebalancée quelques mois plus tard par Damon qui annonce lui rien de moins qu'une séparation imminente.

Blur n'en reste pas moins très actif, sortant successivement en juillet le double single Under the Westway/The Puritan, puis la luxueuse box set Blur 21 qui contient la quasi-totalité du matériel sonore enregistré par le groupe au cours de sa carrière. Un concert donné à Hyde Park à Londres le 12 août pour la clôture des Jeux olympiques de Londres en compagnie des Specials et de New Order confirme sa vitalité.

L'agenda de ses membres semble cependant dominé par leurs projets annexes. Flouté par les nombreuses déclarations contradictoires des uns et des autres qui sont aujourd'hui une de leurs marques de fabrique, personne ne sait de quoi l'avenir de Blur sera fait.

Jeux vidéo

La chanson Song 2 est la chanson d'introduction du jeu FIFA 98 - Road to the World Cup, sorti sur PC, Saturn et PlayStation.

Après une apparition dans Rock Band , Guitar Hero 5 et Rocksmith avec Song 2, Blur continue d'être comme d'autres, dans les jeux musicaux. Ainsi ils apparaissent dans Lego Rock Band avec Song 2. Toujours dans les jeux musicaux, Girls & Boys est dans le jeu de danse Just Dance, sur Wii.

Membres du groupe

• Damon Albarn : chant, clavier, guitare
• Graham Coxon : chant, guitare
• Alex James : basse, guitare
• Dave Rowntree : batterie

• Portrait des membres actuels

Discographie

• Leisure (1991)
• Modern Life Is Rubbish (1993)
• Parklife (1994)
• The Great Escape (1995)
• Blur (1997)
• 13 (1999)
• Think Tank (2003)

Récompenses

Brit Awards

• Meilleur groupe britannique 1995
• Meilleur album britannique 1995 : Parklife
• Meilleur single britannique 1995 : Parklife
• Meilleur clip britannique 1995 : Parklife
• Meilleure bande originale de film 1997 : Trainspotting
• Contribution remarquable à la musique 2012

NME Brat Awards

• Meilleur groupe 1995
• Meilleur album 1995 : Parklife
• Meilleur clip 1995 : Parklife
• Meilleur concert 1995

NME Premier Awards

• Meilleur groupe 2000
• Meilleur single 2000 : Tender
• Meilleur clip 2000 : Coffee & TV

Q Awards

• Meilleure production 1994 : Stephen Street
• Meilleur album 1994 : Parklife
• Meilleur album 1995 : The Great Escape
• Meilleure production 1999 : William Orbit
• Meilleur album 2003 : Think Tank
• Groupe de l'année 2003

Smash Hits Awards

• Meilleur groupe 1994
• Meilleur album 1994 : Parklife

Ivor Novello Awards

• Meilleurs auteurs 1996

MTV Europe Music Awards

• Meilleur clip 1999 : Coffee & TV

Music Week Cad Awards

• Meilleur clip Pop 2000 : Coffee & TV

British Animation Awards

• Meilleur clip 2004 : Good Song

FOCAL Awards

• Meilleure promo vidéo 2004 : Out of Time

Gaffa Awards

• Meilleur groupe international 2003
• Meilleur chanteur international 2003 : Damon Albarn

South Bank Show Awards

• Meilleur album 2003 : Think Tank

Notes et références

Liens externes

• (en) Site officiel
• (fr) Site officiel
• (en) Histoire très détaillée du groupe

Les débuts

Jérôme Fagnet grandit en Bretagne à Saint-Malo. En 2012, un déplacement vertébral le contraint à une longue convalescence, et il commence la guitare. Broken Back, son nom d'artiste, signifiant "dos cassé" fait référence à cette période de sa vie.

Sa première chanson, postée sur SoundCloud, est une version d'une chanson de Bon Iver.

Succès

Broken Back est nommé à la 32e cérémonie des Victoires de la musique (2017) dans la catégorie "révélation scène de l'année".

Discographie

Album studio

• 2016 : Broken Back

EP

• 2015 : Dear Misfortune, Mother Of Joy

Singles

• 2015 : Happiest Man on Earth
• 2016 : Halcyon Birds
• 2017 : Wait
• 2017 : The Sooner the Better

En featuring

• 2015 : Riva (Restart the Game) - Klingande feat. Broken Back
• 2015 : Fireball - Synapson feat. Broken Back

Collaborations

• 2017 : Trace ton chemin sur l'album Gemme de Nolwenn Leroy (co-composition et remix)

Liens externes

• RTL2, "Qui est Broken Back, le phénomène de l'indie française ?", 21 novembre 2016
• Camille Allain, « Broken Back, l’histoire d’un garçon abîmé qui a cassé l’Internet », 20 Minutes,? 14 décembre 2016(lire en ligne)
• Delphine de Freitas et Youen Tanguy, « Victoires de la musique : Jain, Broken Back, Kungs...nos coups de cœur de l’année », LCI,? 10 février 2017(lire en ligne)

Références

Biographie

Le groupe s'est rencontré au lycée à Nantes. "C2C" - sous sa forme complète "Coup2Cross" - fait référence au crossfader, élément central de la double platine typique de DJ. Fans des Beastie Boys et adeptes du Skate Board les C2C sont 4 fois champion du monde par équipe du DMC consécutif, record du championnat jusqu'en 2011 après la cinquième victoire du duo japonais Kireek. Le groupe a aussi remporté le championnat par équipes ITF en 2006. Pfel complète ces récompenses par des trophées remportés en compétition individuelle (vice-champion du monde DMC en 2005).

20Syl et Greem sont également les membres créateurs du groupe de jazz rap Hocus Pocus, et en sont respectivement MC et compositeur, et DJ. Atom et Pfel forment quant à eux le duo Beat Torrent.

Le premier EP de C2C intitulé Down The Road sort le 23 janvier 2012.

Après une tournée particulièrement intensive marquée par le passage dans les plus gros festivals de France (notamment à l'édition des Vieilles Charrues de 2012) lors de laquelle le groupe a défendu cet EP, les 4 DJ nantais sortent leur premier album le 3 septembre 2012, intitulé Tetr4.

Lors des Victoires de la musique du 8 février 2013, le groupe des C2C remporte 4 trophées.

Compétition

Voici les différents titres remportés lors de compétitions.

Discographie

LP

EP

Vinyles de breakbeat

Collaborations avec Hocus Pocus

• 1998 : Coups de Cross sur l'album Seconde Formule
• 2002 : Keep it movin' feat. Lawan sur le maxi Acoustic HipHop Quintet
• 2005 : Feel Good sur l'album 73 Touches
• 2007 : Move On feat. Dajla sur l'album Place 54

Autres collaborations ou Remix

• 2004 : Psychéremix/Coup2Cross sur l'album XY du groupe metal nantais Clone inc.
• 2009 : Live & Uncut sur l'album Live & Uncut du groupe Soul Square (Pfel et Atom uniquement).
• 2012 : Shout (C2C Remix) sur le single Shout du chanteur norvégien Bernhoft
• 2012 : Next Page (feat C2C) sur l'album Contrast de DJ Kentaro
• 2013 : MOJO (C2C Remix) sur le single MOJO de -M-
• 2013 : Jericho (C2C Remix) de la chanteuse Sister Rosetta Tharpe sur l'album ' Verve Remixed : The First Ladies
• 2013 : Fade Away (C2C Remix) sur l'album Rave Age de Vitalic
• 2013 : Superstition (C2C Remix) de Stevie Wonder, non commercialisé, seulement joué lors de leurs concerts

Discographie dans les hit-parades

Albums / EPs

Singles

Autres singles

• 2012 : Delta (FR #120)
• 2012 : The Cell (FR #128)
• 2012 : Who Are You (feat. Olivier Daysoul) (FR #167)
• 2012 : Because of You (feat. Pigeon John) (FR #182)
• 2012 : Genius (feat. Gush) (FR 193)
• 2012 : Arcades (FR #199)
• 2013 : F.U.Y.A. (FR #106)

Vidéographie

• 3 Times in a Row!!!, DVD Promotionnel.

Récompenses et nominations

4 récompenses aux Victoires de la musique 2013.

• groupe ou artiste révélation du public de l'année
• groupe ou artiste révélation scène de l'année
• album de musiques électroniques de l'année pour Tetr4
• vidéo-clip de l'année pour FUYA

2 récompenses aux European Border Breakers Award 2013

• Prix European Border Breakers Award
• Prix du Public

Best Live 2013

• Prix du Meilleur Concert par Infoconcert

2 nominations aux NRJ Music Awards 2013

• Révélation francophone de l'année
• Clip de l'année (Down the Road )

Voir aussi

Articles connexes

• Down the Road
• Hocus Pocus
• Beat Torrent
• 20Syl

Notes et références

Lien externe

• Page sur le label On and On

Biographie

Hubert Blanc-Francard est le fils du producteur parisien Dominique Blanc-Francard, son frère cadet Mathieu s'est rendu célèbre sous le pseudonyme de Sinclair. Zdar était assistant aux studios +XXX (Plus30) lorsqu'il rencontra Hubert en 1988. Ils ont participé aux quatre premiers albums de MC Solaar: Qui sème le vent récolte le tempo, Prose Combat, Paradisiaque et Mc Solaar.

Étant tous les deux fans de hip-hop, ils proposent des musiques au chanteur et se retrouvent à participer à la production et à la composition de certains morceaux sous le nom de La Funk Mob. C'est grâce à leur participation à ce disque, que James Lavelle du label Mo'Wax les repère (il a adoré l'album) et leur demande des instrumentaux « hip-hop Bizaroïde ». C'est donc sous le nom de La Funk Mob que le duo réalisa les EP Les tribulations extra-sensorielles et Breaking Boundaries, Messing Up Heads, édités par le label britannique Mo' Wax en 1994, avant de remixer des morceaux pour entre autres Depeche Mode ou Björk?

S'intéressant aux rythmes House, Philippe Zdar, ancien assistant du père de Boombass réalisa l'album Pansoul en 1996 sous le nom de Motorbass, en compagnie d'Etienne de Crécy. Après avoir converti Hubert 'BoomBass' à la House (il était à l'époque assez réfractaire à tout ce qui pouvait ressembler de près à de la techno) ils composent leur premier morceau House Foxy Lady sous le patronyme L'Homme Qui Valait Trois Milliards. Le disque a de bonne critique outre-manche, il terminera dans le classement des 50 singles de l'année du magazine Mixmag. Le duo change de nom pour Cassius (en référence au boxeur Cassius Clay) et signe un contrat avec Virgin. En 1998 ils sortent leur premier single 'Cassius 99' qui se classe dans le Top 10 au Royaume-Uni. Quelques mois plus tard, en janvier 1999, ils sortent leur premier album 1999. C'est un mélange de House, de hip-hop et de funk, le titre du disque est le même que celui d'un album de Prince.

Avec plus de 250 000 exemplaires vendus dans le monde (dont 50 000 en France), l'album sera nommé aux victoires de la musique 2000.

En septembre 2002 sort leur deuxième album, Au rêve. L'album réunit de nombreux invités (comme Jocelyn Brown, Ghostface Killah ou M), est produit dans des grands studios américains, mais c'est un échec commercial. Hubert Boombass dira "au Rêve c'est un peu notre Titanic...". Malgré tout, le single The Sound of Violence se positionne en tête des classements dance aux États-Unis en décembre 2002.

Philippe Zdar est nommé chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres en février 2005.

En 2006 sort le troisième album de Cassius, 15 again, qui marque le virage pop-rock du groupe. Cette fois aussi, l'album réunit de nombreux invités (comme Etienne de Crécy, M, Pharrell Williams, Sébastien Tellier, Guy-Manuel de Homem-Christo et Eric Chedevile avec Le Knight Club).

En 2010, Cassius sort un nouvel EP sur le label Ed Banger Records, intitulé The Rawkers. Le single et son clip i <3 u so font un buzz sur internet, devenant même une application pour iPhone et étant repris par la suite dans une publicité pour automobile.

En février 2014, Cassius est retourné en studio pour enregistrer leur nouvelle album.

Discographie

Singles

• Foxxy (1996)
• Cassius 1999 (décembre 1998, HBF/Justice)
• Feeling for You (mai 1999, Astralwerks)
• La Mouche (octobre 1999, Astralwerks)
• I'm a Woman (juin 2002, Astralwerks)
• The Sound of Violence (oct 2002, Astralwerks)
• Toop Toop (2006)
• Youth, Speed, Trouble, Cigarettes. (2009)
• The Rawkers (2010, Ed Banger Records)
• I <3 U So (2010, Ed Banger Records)

Albums

Samples

• Feeling For You : Gwen McCrae - All this love that I'm giving
• Foxxy : Willy Hutch - Foxy Brown Theme
• Nulife : Dynamic Corvettes - Precious Woman
• Cassius 99 : Donna Summer - (If It) Hurts Just A Little
• Crazy Legs : Two Sisters - B-Boys Beware
• Interlude : Players Association - Disco Inferno
• Planetz : The Whispers - The Planets Of Life
• I <3 u so : Sandra Richardson - I feel a song (in my heart)
• Arcadine : Roberta flack & Donny Hataway - I (who have nothing)
• 20 Years (How Do You See Me Now) : Extortion feat. Dihan Brooks - How Do You See Me Now
• See Me Now : Extortion feat. Dihan Brooks - How Do You See Me Now

Liens externes

• (en) Site officiel
• (en) Profil MySpace officiel
• (en) Cassius sur le site du label Astralwerks

Notes et références

Historique

Être lauréat des « découvertes » de l'édition 2010 du Printemps de Bourges contribue à la médiatisation du duo et lui permet de rencontrer son producteur^,,,. Son premier album, Cats on Trees, a bénéficié d'un accueil favorable de la presse^,,,. Le groupe est nommé aux Victoires de la musique 2014, catégorie « Album révélation de l'année ».

Discographie

Album

Single

• Sirens Call
• Love you like a love song

Références

Voir aussi

Articles connexes

• Editeur Tôt ou Tard

Lien externe

• Site officiel

Débuts du groupe

C'est à la fac d'histoire de Manchester que Tom Rowlands et Ed Simons font connaissance en 1989. Peu après, ils commencent à mixer dans des clubs locaux réputés sous le nom de « The Dust Brothers ». Leur talent se répand vite, et dès 1992 ils entrent en studio pour enregistrer leur premier morceau intitulé Song to the Siren. Succès au rendez-vous, le duo devient la coqueluche de la scène électronique britannique. En janvier 1994, ils sortent l'EP Fourteenth Century Sky qui ne fait que confirmer leur succès.

Succès international

Le 15 avril 1995, les deux compères sortent leur premier album intitulé Exit Planet Dust. Le groupe se rebaptise « The Chemical Brothers », avec selon eux un son plus agressif et puissant et avec l'apport de voix. Leur succès international débute avec la sortie du single Life Is Sweet. Le duo entame alors une tournée mondiale avec notamment en première partie Daft Punk, encore à leurs débuts.

Le duo récidive en 1997 avec son album Dig Your Own Hole. Dans les mêmes sonorités techno, rock et big beat, ce nouvel album confirme leur maîtrise des sonorités électroniques, notamment à travers les singles Setting Sun, Elektrobank, Block Rockin' Beats et The Private Psychedelic Reel, et confère à l'album la première place des charts britanniques du 15 au 27 avril 1997.

Deux ans plus tard sort l'album Surrender qui compte onze titres, légèrement plus pop, electro et minimaliste. Ce nouvel opus se révèle finalement être, après quelques critiques, un succès mondial. Le titre Hey boy Hey girl est joué dans les clubs au Royaume-Uni et à l'étranger. Une autre chanson, Asleep From Day est utilisée pour une publicité d'Air France réalisée par Michel Gondry.

En 2002, les Chemical Brothers sortent leur 4^e album, Come With Us, qui est plutôt apprécié du grand public. Richard Ashcroft du groupe « The Verve » y participe pour le morceau The Test. Parmi les autres singles issus de l'album, on trouve It Began In Afrika, Star Guitar, Come With Us / The Test, et American EP

Leur titre Midnight Madness a été mis dans la bande son de la simulation de foot Pro Evolution Soccer 2010, ainsi que dans la simulation de course automobile Midnight Club LA.

On peut également remarquer l'omniprésence de morceaux du groupe en fond sonore dans la plupart des reportages de l'émission Téléfoot sur TF1.

Ils ont composé en 2010 la musique du film Hanna, de Joe Wright avec comme acteurs et actrices Saoirse Ronan, Cate Blanchett et Eric Bana.

En 2011, ils composent Don't Think pour le film Black Swan que l'on peut remarquer lors de la scène dans le club. Ce morceau ne fait cependant pas partie de la bande originale du film.

Leur titre Swoon est également utilisée dans l'episode 2 de la deuxième saison de Misfits.

En 2012 ils composent l'hymne officiel des JO 2012 à Londres UK 2012 Olympic Games Official Song Theme for London Velodrome. C'est également durant cette année que sort leur premier album live, Don't Think, enregistré durant un concert au Japon en 2011.

Discographie

• Exit Planet Dust (15 avril 1995)
• Dig Your Own Hole (7 avril 1997)
• Surrender (21 juin 1999)
• Come With Us (28 janvier 2002)
• Singles 93-03 (22 septembre 2003)
• Push the Button (25 janvier 2005)
• We Are the Night (2 juillet 2007)
• Brotherhood (2 septembre 2008)
• Further (14 juin 2010)
• Hanna (bande originale de film) (4 juillet 2011)
• Don't Think (live) (26 mars 2012)

Liens externes

• (en) Site officiel

Le groupe a sorti l'EP Recover en 2013 après avoir été désigné "groupe prometteur pour l'année 2013" par la BBC. La même année, ses chansons "Gun" et "Recover" ont toutes deux reçu l'appellation Best New Music de la part du magazine musical Pitchfork^,.

Le groupe était en première partie du concert de Depeche Mode à Nimes le 16 juillet 2013, il était également présent à l'édition 2013 des Eurockéennes de Belfort. Le groupe a donné son premier concert en tant que tête d'affiche à la maroquinerie le 19 octobre 2013.

Le titre "We sink" est utilisé comme soundtrack par Electronic Arts pour son jeu Fifa 14.

Albums

• "The Bones Of What You Believe" (2013)

Singles

• "The Mother We Share" (2012)
• "Lies" (2012)
• "We Sink" (2012)
• "Recover" (2013)
• "Gun" (2013)
• "Now Is Not The Time" (2013)

Références

Liens externes

• site officiel du groupe

Robert Smith est la figure emblématique du groupe. Il en est le chanteur et le guitariste (il joue également de la basse ou des claviers), le parolier et le principal compositeur.

Associé au mouvement new wave, The Cure a développé un son qui lui est propre, aux ambiances tour à tour mélancoliques, rock, pop, gothiques^, et psychédéliques, créant de forts contrastes, où la basse est mise en avant et n’est pas seulement un instrument d’accompagnement. Elle est, notamment en raison du jeu particulier de Simon Gallup une composante essentielle de la musique de The Cure. L'utilisation conjointe d'une basse six cordes (souvent une Fender VI), au son caractéristique, très souvent utilisée dans les motifs mélodiques, contribue pour beaucoup à la signature sonore si singulière du groupe.

Cette identité musicale, ainsi qu'une identité visuelle véhiculée par des clips, contribuent à la popularité du groupe qui atteint son sommet dans les années 1980. De nombreux fans copient alors les tenues vestimentaires amples et sombres des musiciens et la coiffure arachnéenne de Robert Smith.

The Cure, avec ses disques et ses nombreux concerts à travers le monde, a su rassembler un public varié autour de sa musique, aussi bien des amateurs d’ambiance sombre et dépressive que des amoureux de mélodies pop, et conserve toujours un auditoire fidèle.

Le groupe s'est rapidement fait connaître dans son pays d'origine ainsi qu'un peu partout en Europe. Mais c'est d'abord en Océanie, et surtout en Nouvelle-Zélande (sans qu'il n'y ait d'explication particulière à cela) qu'il a remporté un grand succès dès 1980/81. Ce phénomène devança de plusieurs années la Curemania qui touchera le continent européen, et notamment la France, au milieu des années 1980. La période où le groupe a connu le plus de succès s'étend sur une dizaine d'années, jusqu'en 1993 ; après cette date, la formation anglaise subit une baisse d'audience, tout en gardant cependant un grand nombre de fans.

Historique

Avant The Cure (1973-1978)

En 1973, dans la ville de Crawley dans le Sussex, Robert Smith, âgé de quatorze ans, joue de la guitare avec son frère Richard, sa sœur Janet et quelques amis dans un groupe appelé le Crawley Goat Band dont la notoriété ne dépassera pas le cercle familial et amical. Dans la foulée, le jeune musicien monte un autre groupe avec des camarades de son collège simplement appelé The Group puisqu’il est le seul de l’école. À la fin de l’année scolaire, la formation qui s’est finalement choisi le nom de The Obelisks donnera son unique concert au sein même du collège, avec Robert Smith au piano, Lol Tolhurst à la batterie, Alan Hill à la basse, Michael Dempsey et Marc Ceccagno aux guitares.

En janvier 1976, Robert Smith et Marc Ceccagno aux guitares et Michael Dempsey désormais bassiste forment un nouveau projet, Malice qui l’année suivante deviendra Easy Cure.

Après plusieurs changements, la formation se stabilise en un trio composé de Robert Smith au chant et à la guitare, parolier et principal compositeur, Michael Dempsey à la basse, Lol Tolhurst à la batterie, et adopte définitivement le nom de The Cure.

La rencontre avec Chris Parry - Fiction Records (1978-1980)

Au début de l'été 1978, le groupe envoie une maquette de quatre morceaux à une multitude de labels et ne tarde pas à attirer l’attention de Chris Parry, ex-manager des Jam, et directeur artistique chez Polydor. Il désire fonder son propre label indépendant, Fiction Records, et il voit en The Cure l’occasion de réaliser son projet. Un contrat est signé ; le groupe restera fidèle au label jusqu'en 2001.

Le premier 45 tours Killing an Arab sort d’abord en décembre 1978 sur le label Small Wonder. Cette chanson, inspirée du roman L'Étranger d'Albert Camus, assure un début de notoriété grâce notamment aux fanzines alternatifs. Avec l’argent récolté, le label de Chris Parry peut désormais fonctionner et le single ressort le 6 février 1979 chez Fiction Records.

Un mini scandale éclate quand le parti politique d’extrême droite britannique tente de récupérer la chanson. Pour mettre fin à la polémique, Chris Parry multiplie les communiqués de presse expliquant la source d’inspiration de la chanson et fait même envoyer aux médias des exemplaires du livre de Camus.

À cause de son titre, cette chanson sera de nouveau détournée de son sens (à l'époque de la guerre du Golfe en particulier), au grand dam de Robert Smith qui devra rappeler dans des conférences de presse le texte qui l'a inspiré.

The Cure enchaîne les concerts et enregistre son premier album au son post-punk très minimaliste, Three Imaginary Boys, produit par Chris Parry qui sort en mai 1979. L’accueil de la presse spécialisée est positif dans l’ensemble, le Melody Maker titrera « The Eighties Start Here » (« Les années 80 commencent ici »). Robert Smith cependant ne sera jamais totalement satisfait de cet album, que ça soit de la pochette qui est une idée de Chris Parry ou de certaines chansons comme Object, It’s not You, So What ou la reprise de Foxy Lady, chantée par Dempsey, qu’il déclare détester.

Un second 45 tours sort en juin, Boys Don't Cry. S'il n’entre pas dans les classements britanniques, ce titre rencontre en revanche un succès en Nouvelle-Zélande, atteignant la 22^e place. Cette chanson est devenue par la suite l’une des plus connues du répertoire du groupe, grâce notamment à la nouvelle version qui sortira en 1986. Elle fera également l’objet de plusieurs reprises.

Les festivals d'été sont l'occasion pour The Cure de jouer pour la première fois hors des frontières britanniques. À Groningue aux Pays-Bas tout d'abord, puis en Belgique à Bilzen. Ensuite The Cure assure la première partie de Siouxsie and the Banshees, d'août à octobre, et Robert Smith se lie d’amitié avec leur bassiste Steven Severin. Lorsque le guitariste des Banshees, John McKay, quitte soudainement le groupe, Smith se propose pour le remplacer jusqu’à la fin de la tournée. Il se retrouve ainsi à jouer deux fois chaque soir, d’abord avec The Cure puis aux côtés de Siouxsie Sioux.

Un troisième single, Jumping Someone Else's Train, paraît en novembre alors qu’un changement dans le groupe se produit. Michael Dempsey ne s’entendant plus avec Robert Smith s’en est allé rejoindre un autre groupe du label Fiction, Associates, cédant sa place à Simon Gallup avec qui Robert Smith vient d’enregistrer un single sous le nom de Cult Hero. Matthieu Hartley intègre également The Cure comme claviériste à ce moment-là.

Le quatuor fraîchement formé se lance dans une nouvelle série de concerts en Angleterre et aux Pays de Galles, baptisée Future Pastimes Tour, accompagné par les Associates justement et The Passions, avant de terminer l'année par des shows aux Pays-Bas, en Belgique et en France pour la première fois.

En février 1980 paraît le 33 tours Boys Don't Cry, au départ seulement destiné au marché américain, qui reprend la plupart des morceaux de Three Imaginary Boys et des trois singles.

Le 4 avril 1980 Robert Smith et Matthieu Hartley participent, avec d'autres artistes, au concert organisé à Londres par The Stranglers pour protester contre l'incarcération de leur chanteur Hugh Cornwell suite à une affaire de possession de drogues.

Période Cold wave et premiers succès (1980-1982)

The Cure enregistre en une semaine et mixe en six jours son deuxième album, le très atmosphérique et encore relativement pop Seventeen Seconds qui sort le 22 avril 1980. Produit par Robert Smith et Mike Hedges, il tranche nettement avec le premier album, beaucoup plus sombre et glacial. Bien que plus difficile d’accès a priori que son prédécesseur (dans sa chronique dans Rock & Folk, François Gorin souligne que l'écoute du disque demande des efforts), l’album se comporte bien dans les charts britanniques et atteint la 20^e place, mais ce disque remporte surtout un énorme succès en Nouvelle-Zélande atteignant la 9^e place, et restant classé durant plus d'un an . En Europe, Seventeen Seconds connait également un bon succès aux Pays-Bas, se classant à la 15^e place. Ce succès est sans doute dû au morceau A Forest, extrait en single, et qui devient le premier hit du groupe dans son pays d'origine où il atteint la 31^e place, comme au niveau international.

Le quatuor entame une impressionnante série de concerts, parcourant tout d'abord l’Europe ainsi que les États-Unis (le Seventeen Seconds Tour d'avril à juin), puis la Nouvelle-Zélande et l’Australie, deux pays où le groupe bénéficie déjà d'une grande notoriété (Get a Dose of The Cure Tour de fin juillet à fin août).

Matthieu Hartley qui ne s’est jamais vraiment intégré a aussi du mal à s’adapter au rythme soutenu des tournées. Des tensions apparaissent avec les autres membres, il est finalement écarté du groupe fin août. Il déclare plus tard : « J’ai compris pendant la tournée que The Cure s’orientait vers une musique sombre et suicidaire, un style qui ne m’intéressait absolument pas. » En octobre, The Cure parcourt encore les scènes d'Europe avant une série de concerts exclusivement britannique le mois suivant nommée The Primary Tour.

Au lieu de s’accorder du repos, Smith Gallup et Tolhurst enchaînent avec l’enregistrement du nouvel album en compagnie du producteur Mike Hedges. Les sessions dureront plus longtemps que prévu : un mois au lieu de neuf jours. Faith sort le 14 avril 1981, juste après le single Primary. Plus gris et désespéré que Seventeen Seconds, fortement dominé par la basse de Simon Gallup, le disque rallie de nouveaux adeptes au groupe et connaît un certain succès international, se classant 14^e en Grande-Bretagne, 38^e en Suède, 9^e aux Pays-Bas et surtout 1^er en Nouvelle-Zélande dès sa sortie, ce durant trois semaines consécutives.

Au sujet de ce succès, Robert Smith dira dans une interview accordée à un journaliste de Libération en octobre : « Les gens achètent nos disques, viennent nous voir parce qu’ils ont aimé les disques, mais ils ne nous suivront pas forcément là où nous voulons aller. Je ne pense pas qu’on ait de vrais fans. On attire des gens qui aiment un certain type de groupes : Public Image, The Banshees, Joy Division, etc. Et ces gens-là aiment équitablement tous leurs groupes. »

Une nouvelle tournée-marathon de six mois commence dès avril, avec en première partie non pas un autre groupe, mais la projection d’un film d’animation de 27 minutes, Carnage Visors réalisé par Ric Gallup, le frère de Simon, et illustré par un instrumental composé par le groupe où dominent deux basses et une boîte à rythmes.

Le Picture Tour, après le Royaume-Uni, mène les musiciens à travers la Belgique, l'Allemagne, les Pays-Bas, les États-Unis, la Nouvelle-Zélande, l'Australie, le Canada et enfin la France. Le trio trouve le temps d’enregistrer un autre single, Charlotte Sometimes, qui sort en octobre. En novembre et décembre, une série de huit concerts en Angleterre et en Écosse (Eight Appearances Tour), avec en première partie And Also the Trees, clôture l'année scénique de The Cure.

Retour en studio, début 1982, cette fois en compagnie de Phil Thornalley pour la production, afin de donner naissance à l'album considéré comme le plus noir de la carrière du groupe, Pornography, qui sort dans les bacs le 4 mai 1982. Et malgré son atmosphère oppressante et gothique^,, cet album marche plutôt bien atteignant le Top 10 en Angleterre et en Nouvelle-Zélande, et connait également un certain succès aux Pays-Bas où le groupe compte désormais de nombreux adeptes, s'y classant à la 17^e place.

Et toujours de nombreux concerts. Après un passage au Printemps de Bourges en avril, The Cure enchaîne avec le Fourteen Explicit Moments Tour qui visite l'Angleterre et l'Écosse, puis le Pornography Tour qui passe par le Benelux, l'Allemagne, la France et la Suisse. Robert apparaît sur scène les yeux et la bouche cernés de rouge à lèvres dégoulinant : « Je n’applique pas le rouge à lèvres proprement pour éviter que les gens pensent que je le fais par coquetterie, alors que je le porte pour des raisons de théâtralité. Au début j’en portais autour des yeux et autour de la bouche de manière à ce que, lorsque j’étais sur scène, avec la sueur, ça dégouline partout. On aurait dit que quelqu’un venait de me frapper et que je saignais. »

Des tensions sont apparues entre Robert Smith et Simon Gallup, la tournée ne fait que les renforcer. Les deux musiciens vont jusqu’à se bagarrer après un concert à Strasbourg. La tournée s’achève dans la confusion le 11 juin à l’Ancienne Belgique à Bruxelles, où le public assiste à un rappel chaotique : les membres du groupe, qui ont échangé leurs instruments, improvisent un titre, The Cure are Dead, accompagnés du groupe Zerra One qui assurait la première partie, et du roadie Garry Biddles au chant qui invective Smith et Tolhurst.

À l’issue du concert, Simon Gallup quitte la formation. Robert Smith ne lui reparlera pas avant dix-huit mois.

Renaissance Pop et Cure mania (1983-1986)

À ce moment-là, personne ne sait si The Cure existe encore. Robert Smith part se mettre au vert quelque temps au Pays de Galles avec sa compagne Mary. Quant à Tolhurst, dont les capacités limitées à la batterie ont cependant joué un rôle dans le façonnage du son « Cure », il décide d’abandonner son instrument et de se mettre aux claviers. Il consacrera également du temps à produire le premier album et les deux premiers singles de ses compatriotes du groupe And Also The Trees.

Chris Parry demande alors à Smith et Tolhurst d'enregistrer quelque chose de différent. Le duo, accompagné de Steve Goulding à la batterie offre un nouveau single, Let's Go To Bed dans un style très pop et même dansant qui déstabilise les fans de la première heure. Robert Smith, qui ne voulait pas sortir la chanson sous le nom de The Cure, la qualifiant de « plaisanterie », se laisse finalement convaincre par son manager. Le single paraît à la toute fin 1982 et ne connaît qu'un succès modeste en Angleterre (mais devient quelques mois plus tard un tube en Océanie, atteignant le Top 20).

Le groupe continue néanmoins sur cette voie plus pop en sortant à l'été 1983 un autre single intitulé The Walk, où synthétiseurs et boîtes à rythmes sont à l'honneur, et cette fois le succès est au rendez-vous dans le pays d'origine de Cure (12^e au Royaume-Uni), mais aussi en Irlande où ce titre inaugure une impressionnante série de 17 hits classés consécutivement dans le Top 20 de ce pays, entre 1983 et 1992. Suit un nouveau 45 tours, The Lovecats, influencé par le jazz, qui sera un vrai tube et se classera à la 7^e place des charts britanniques. Entre temps, Andy Anderson est devenu le nouveau batteur, et Phil Thornalley, qui avait coproduit Pornography, tient désormais la basse. C'est avec cette formation que le groupe retrouve le chemin de la scène à partir de juillet, lors de quelques festivals, en Europe et aux États-Unis. Fin 1983, paraît une compilation, intitulée Japanese Whispers, regroupant les trois singles précédemment cités auxquels s'ajoutent leurs faces B ; elle connaît notamment un grand succès en Nouvelle-Zélande, atteignant la 8^e place quelques mois plus tard.

Une nouvelle rencontre déterminante se produit, par l'intermédiaire de Chris Parry : celle de Tim Pope qui devient le réalisateur de clips attitré de The Cure.

Parallèlement, Robert Smith explore des horizons plus expérimentaux et psychédéliques. Il conçoit, aux côtés de Steve Severin, le projet The Glove (nom inspiré par un personnage du film Yellow Submarine des Beatles). En août 1983 ils sortent un album titré Blue Sunshine dont sont tirés deux singles, Like an Animal et Punish me With Kisses.

Robert Smith est par ailleurs à nouveau le guitariste officiel de Siouxsie and the Banshees depuis fin 1982, en remplacement de John McGeoch. Il publie avec eux en 1983 le live Nocturne enregistré au Royal Albert Hall de Londres, puis l'année suivante l'album studio Hyaena.

En mai 1984, The Cure sort un nouvel album, The Top, pop et psychédélique. C'est le premier disque du groupe dont les compositions ne sont pas signées par tous les membres. Les chansons sont portées au crédit de Robert Smith seul ou en collaboration avec Lol Tolhurst. Pour le journaliste Thierry Chatain, The Top est « le nouveau sommet d'un groupe qui sait se régénérer sans se renier ». « Disque fou, riche, intense et passionnant » selon Hervé Picart qui prévoit par ailleurs que ce « kaléidoscope virevoltant, bariolé à l'extrême » va déconcerter les fans.

Phil Thornalley n'a pas participé à l'enregistrement, occupé dans le même temps comme ingénieur du son sur l'album Seven and the Ragged Tiger de Duran Duran, tandis que le guitariste Porl Thompson a rejoint la troupe. Thornalley est de retour fin avril juste avant le début du The Top Tour, première tournée de The Cure depuis deux ans, qui traverse l'Europe, l'Océanie, le Japon pour la première fois, les États-Unis et le Canada. And Also the Trees assure une nouvelle fois la première partie lors des dates britanniques.

Robert Smith ne pouvant être continuellement présent dans deux groupes à la fois, il quitte définitivement Siouxsie and the Banshees au mois de mai.

En octobre, sort le premier album live Concert enregistré en mai à Londres et à Oxford.

Andy Anderson ne terminera pas la tournée. « Pétant les plombs après chaque concert » selon les termes de Smith, il est renvoyé en octobre. Lol Tolhurst révèlera plus tard dans une interview qu'Andy souffrait d'hypoglycémie, et comme en tournée il était fréquent qu'il ne puisse pas se nourrir correctement, il devenait agressif. Anderson est remplacé au pied levé par Vince Ely, ex-The Psychedelic Furs qui est lui-même remplacé après quinze jours par Boris Williams. Ce dernier restera dans le groupe pendant presque dix ans, le marquant de son empreinte. Il demeure encore auprès de nombreux fans le batteur le plus apprécié de The Cure. À la fin de la tournée, Phil Thornalley part vers de nouveaux horizons musicaux.

Depuis juin 1982 de l’eau a coulé sous les ponts et, à la fin de l’année 84, Robert Smith recontacte Simon Gallup lui laissant entendre que la place de bassiste est libre. Quelque temps après, Simon intègre le groupe pour l’enregistrement du nouvel album, un disque important qui se révélera finalement comme étant l'un des albums charnière de la carrière de la formation anglaise, marquant notamment son passage définitif au statut de "groupe à stades".

Résolument pop et intégralement composé par Robert Smith, The Head on the Door paraît donc en août 1985 et est consacré album de l'année par le magazine Melody Maker. Les 45 tours qui en sont tirés In Between Days et Close to Me deviennent de grands succès internationaux, aidés par des clips réalisés par Tim Pope et largement diffusés. La popularité du groupe explose alors en Europe, et notamment en France. On parle de « Cure mania ». Et le succès ne cesse de grandir aux États-Unis (où l'album atteint la 60^e place) ainsi qu'au Canada, et se confirme en Australie et en Nouvelle-Zélande. Le public fait un véritable triomphe aux cinq musiciens durant The Head Tour, la tournée qui passe par l'Amérique du Nord et le Vieux Continent et qui s'achève par un concert au Palais omnisports de Paris-Bercy le 18 décembre 1985.

C'est à cette époque que le look à la « Cure » fait nombre d'émules parmi les fans un peu partout sur la planète, un look particulier fait de coupes de cheveux hirsutes et de tenues vestimentaires à l'avenant, qu'arbore le groupe (et notamment Smith) depuis quelques années déjà.

À noter que durant l'été 1985, le groupe participe à Rock in Athens, un festival exceptionnel organisé notamment à l'initiative des Ministères grec et français de la culture et composé d'une série de concerts regroupant principalement des formations tendance New wave (en dépit du nom du festival?) célèbres à ce moment-là^,. On y retrouve donc The Cure mais aussi, entre autres, Depeche Mode, Talk Talk, The Stranglers, Culture Club et également le groupe français Téléphone. En France, ce concert fut retransmis sur Antenne 2 dans Les Enfants du Rock (lors d'une émission spéciale animée par Childéric Muller). Quelques semaines auparavant, le groupe avait joué à Barcelone (20 juin) où le public avait pu découvrir en avant-première son tout nouveau single In Between Days^,.

1986 voit la parution de la compilation Standing on a Beach (la version CD sera titrée Staring at the Sea, avec une liste des morceaux légèrement différente) en forme de bilan après une dizaine d'années d'existence. Elle connaît un succès important, atteignant par exemple le Top 10 au Royaume-Uni, en France, aux Pays-Bas, en Nouvelle-Zélande et surtout le Top 50 aux États-Unis où la formation de Robert Smith devient incontournable. Au même moment, Boys Don't Cry sort en single dans une nouvelle version, et devient un tube international.

Durant l'été, The Cure entreprend une tournée des deux côtés de l'Atlantique : The Beach Tour Party. La dernière date, le 9 août au théâtre antique d'Orange fait l’objet d’un film réalisé par Tim Pope qui sortira en VHS sous le titre The Cure In Orange l'année suivante.

Ce milieu des années 1980 représente donc un véritable tournant dans la carrière du groupe - notamment avec la sortie de The Head on the Door - qui fait maintenant partie des formations pop/rock incontournables de la scène internationale, et les années qui suivent ne vont que confirmer ce nouveau statut désormais acquis.

Le succès à son apogée : entre Pop et mélancolie (1987-1993)

Aux mois de mars et d'avril 1987, The Cure se produit pour la première fois en Amérique du Sud, avec deux concerts en Argentine et huit au Brésil dans des stades combles, où le groupe peut mesurer l'étendue de sa popularité dans ces deux pays. Le second concert argentin a dû cependant être écourté à cause d'une partie du public trop turbulente. À cette époque, The Cure se voit décerné le titre de "meilleur groupe étranger de l'année" au Brésil, signe que Robert Smith et ses acolytes sont désormais bien installés sur la scène internationale.

Le nouvel album studio, un double, intitulé Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, aux sonorités plus variées que son prédécesseur et avec à nouveau tous les membres qui participent à sa composition, paraît au mois de mai. « Disque charnière, consécration » selon le journaliste Youri Lenquette, c'est un énorme succès international, encore plus que le précédent, notamment aux États-Unis où l'album entre dans le Top 40 (une première dans l'histoire du groupe) et sera certifié disque de platine avec plus d'un million d'exemplaires écoulés, grâce aux tubes Why Can't I Be You?, et surtout Just Like Heaven. À noter que ce dernier morceau est basé sur un instrumental composé en 1986 pour l'émission de télévision française Les Enfants du rock, qui a toujours soutenu la formation anglaise.

The Cure compte désormais six membres dans ses rangs avec l’arrivée aux claviers de Roger O'Donnell juste avant la tournée mondiale Kissing Tour qui débute en juillet à Vancouver et s'achève le 9 décembre à la Wembley Arena de Londres. En introduction, un court métrage de cinq minutes, réalisé par Porl Thompson et Undy Vella, est projeté. Intitulé Tea Ceremony il montre des gros plans de la bouche et des yeux de Robert Smith. La bande son est un instrumental titré Eyemou (contraction des mots eye et mouth, « œil » et « bouche »).

À cette époque, et en termes de popularité au niveau international, The Cure est l'un des plus grands groupes pop/rock anglophones du moment avec U2, Depeche Mode ou encore INXS.

Fort de ce succès, Cure ne se repose cependant pas sur ses acquis et continue la parution d’albums à un rythme soutenu : 1989 voit ainsi la sortie d'un nouveau disque, Disintegration, qui paraît le 1^er mai (à peine deux ans après son prédécesseur). Il marque un retour à une musique plus sombre et mélancolique, apprécié par les fans attachés à la période cold wave de la formation anglaise ; « le testament des années 80 », écrira Hugo Cassavetti.

Tolhurst ne fait plus partie du groupe à ce moment-là. Devenu ingérable à cause de ses problèmes liés à l’alcool, Robert Smith l’a viré au début de l’année.

Le premier extrait Lullaby (excepté aux États-Unis où le titre Fascination Street est préféré), soutenu par un clip - toujours réalisé par Tim Pope - remarqué dans les médias et qui sera récompensé aux Brit Awards, grimpe dans les classements internationaux, tandis que le deuxième single Lovesong se retrouvera classé, de façon assez inattendue, 2^e aux États-Unis, renforçant la popularité de Cure dans ce pays. L'album lui-même connaît un succès international considérable, se classant par exemple et pour la première fois dans le Top 20 américain, atteignant aussi la 3^e place au Royaume-Uni. La tournée mondiale (le Prayer Tour) débute le jour de la sortie de Disintegration à Roskilde au Danemark et s'achève le 23 septembre 1989 à Mansfield dans le Massachusetts. La première partie était assurée par les Shelleyan Orphan sur la quasi-totalité des dates, et lors de certains concerts en Italie par Marc Almond. Les groupes Love and Rockets et Pixies étaient présents sur plusieurs dates américaines. Comme témoignage de cette tournée, l'album live Entreat enregistré à la Wembley Arena en juillet sortira l'année suivante.

The Cure termine ainsi en beauté la décennie 1980 que la formation de Robert Smith a su marquer d'une trace indélébile, alternant avec succès styles musicaux variés et choix de carrière parfois risqués, sans omettre d'inoubliables prestations scéniques ; l'ensemble donnant au groupe une place de choix dans le paysage pop/rock de ces années-là.

Au début de l'année 1990, des changements interviennent dans la formation : Roger O’Donnell s’en va à cause de problèmes relationnels avec Boris Williams et Simon Gallup. Il est remplacé par Perry Bamonte dont le premier concert avec le groupe sera le 21 juin 1990 à Paris lors de la Fête de la musiquePlace de la République. Ce concert inaugure The Pleasure Trips, une tournée des festivals d'été comptant onze dates.

À l'automne, une radio éphémère apparaît sur la bande FM anglaise : Cure FM. Cette station, animée par les membres de Cure eux-mêmes, est destinée à promouvoir Mixed Up, un disque de remixes qui sera plus ou moins bien accueilli par la critique et les fans. Dans sa chronique du disque parue dans Best, François Gérald estime que l'intention est bonne mais le résultat en deçà de ce qu'on pouvait espérer. L'avis de Nicolas Ungemuth dans Guitare et claviers est très mitigé : certains remixes sont ineptes, d'autres inventifs. Les deux critiques s'accordent cependant sur la qualité du titre inédit extrait en single, Never Enough, qui met les guitares en avant.

Début 1991, le groupe reçoit le Brit Award du meilleur groupe britannique et enregistre une session acoustique MTV Unplugged dans les studios londoniens de la chaîne de télé.

L'année suivante sort l'album Wish qui met les guitares à l'honneur. Même si en France le succès est, pour la première fois depuis plusieurs années, un peu moins important, le disque se retrouve classé 1^er dès sa sortie au Royaume-Uni et en Australie, 2^e aux États-Unis et 3^e en Nouvelle-Zélande. Il contient les tubes High et surtout Friday I'm in Love, ce dernier se classant dans le Top 20 de nombreux pays (dont les États-Unis)^,. Après avoir offert au public britannique un « tour de chauffe » (The Warm-Up Tour), le quintet se lance dans une longue tournée mondiale qui débute le 14 mai à Providence dans le Rhode Island. Outre les États-Unis, le groupe visite le Canada et le Mexique jusqu'à la fin juillet. Il s'embarque ensuite en Nouvelle-Zélande et en Australie au mois d'août avant de parcourir l'Europe de septembre à décembre. C'est le groupe Cranes qui assure la première partie pour les dates américaines et européennes. Cette tournée est marquée par l'absence de Simon Gallup lors de plusieurs concerts en novembre. Il doit en effet être hospitalisé à cause d'une pleurésie. C'est Roberto Soave, bassiste de Shelleyan Orphan, qui assure l'intérim. À l'issue du Wish Tour, Porl Thompson prend congé du groupe pour se consacrer à d'autres projets artistiques. On le retrouvera plus tard aux côtés de Page and Plant.

Enregistrés lors de la tournée, deux albums live et une cassette vidéo paraissent successivement en 1993 : Show (avec son équivalent en VHS portant le même titre) et Paris. Cette année-là, The Cure participe à un concert spécial, en compagnie de groupes comme Belly, Catherine Wheel ou Senseless Things, organisé en juin à Londres afin de soutenir XFM, une radio londonienne qui n'a pas de licence pour diffuser ses programmes. Il s'agit de l'unique apparition sur scène du groupe en 1993. À cette époque, The Cure participe également à la bande originale du film The Crow en offrant un titre inédit, Burn.

Période délicate (1994-1999)

En 1994, Boris Williams quitte ses camarades à son tour pour former avec sa compagne Caroline Crawley, ex chanteuse de Shelleyan Orphan, le projet Babacar.

Lol Tolhurst, quant à lui, a un souvenir amer de ses anciens acolytes. En effet, il intente un procès au groupe et au label Fiction au sujet de taux de royalties et des droits de propriété sur le nom du groupe. Le verdict est rendu en octobre 1994 : Tolhurst a perdu son procès. Robert Smith commentera dans une interview donnée au journal Libération en 1995 : « Chris (Parry) a bien tenté de dissuader Lol, à deux ou trois reprises, avant que ça ne prenne une telle ampleur. Finalement, on s'est aperçu qu'aucune conciliation n'était possible. Je suis désolé pour Lol, tout en trouvant difficile de lui pardonner. » Puis en 2000 : « On s’est revu très récemment. Lol n’a pas bu depuis cinq ou six ans et souhaite qu’on retravaille ensemble. Nous le ferons peut-être car je n’ai plus aucune animosité contre lui. Il a assez souffert comme ça : quand il a perdu le procès, sa femme et ses amis l’ont plaqué. Lol reste mon ami d’enfance. »

En 1995, c'est un Cure nouveau qui se présente. Roger O'Donnell est de retour aux claviers et un nouveau venu, Jason Cooper prend place derrière la batterie. La formation offre un titre inédit, Dredd Song, où l'on peut entendre des instruments à cordes, sur la bande originale du film Judge Dredd, puis entame une tournée de festival en été (The Team Tour).

Le 7 mai 1996, après quatre ans sans nouvel album, sort Wild Mood Swings dont l'éclectisme musical divise les critiques. Dans sa biographie consacrée au groupe, Thierry Desaules souligne que l'album, « décousu et trop long, est assassiné par la presse et les fans. » De nombreux musiciens extérieurs au groupe ont participé à l'enregistrement. Un violoniste, un quatuor à cordes et deux sections de cuivres sont présents, et en plus de Jason Cooper, trois autres batteurs jouent sur quelques titres.

Pour la première fois, le public marque une désaffection, associée à celle des médias. L'album se vend relativement mal et tous les concerts de la tournée (The Swing Tour de mai à décembre) ne sont pas pleins, semblant indiquer que les années de gloire pour le groupe (notamment durant la décennie précédente) font désormais partie du passé ; The Cure connait alors à ce moment-là une sorte de passage à vide, paraissant même quelque peu démodé en cette fin des années 90. Avant de débuter cette tournée, Robert Smith évoque même une séparation du groupe, mais le plaisir de jouer semble le faire changer d'avis à la fin de la tournée.

Le 9 janvier 1997, Robert Smith est invité à jouer aux côtés de David Bowie lors du concert célébrant les cinquante ans de ce dernier au Madison Square Garden.

À l'automne sort la compilation Galore sur laquelle figure un titre inédit composé par Robert Smith, Wrong Number et qui fera l'objet d'un single. La formation qui joue sur cette chanson est inhabituelle, puisque seuls Smith et Cooper sont présents, accompagnés exceptionnellement par le guitariste de Bowie, Reeves Gabrels. Ce trio enregistrera sous le nom de COGASM (CO pour Cooper, GA pour Gabrels et SM pour Smith) un autre titre, A Sign From God pour les besoins de la bande originale du film de Trey Parker, Capitaine Orgazmo.

La fin de la décennie ne verra pas de nouvel album, mais le groupe se produira régulièrement sur scène : Radio Festivals Tour, tournée de festivals américains fin 1997, The Summer Festivals Tour en Europe durant l'été 1998 et un unique concert en 1999, le 19 octobre à New York.

Cette décennie 1990 apparaît pour le groupe comme une période plus incertaine, malgré des débuts en fanfare avec l'album Wish, les années suivantes révèlent une formation qui semble désormais se chercher, sans obtenir du public et des critiques les mêmes faveurs et enthousiasme qu’auparavant. Mais cela n'est que temporaire?

Retour sur le devant de la scène (2000-2004)

The Cure débute la décennie en sortant en février 2000 un nouvel album, Bloodflowers, dont les chansons mélancoliques sont diversement appréciées par les critiques. « Album grandiose », selon Best, un groupe resté fidèle à lui-même pour Rock & Folk ou à l'inverse un « réchauffé de désespoir » selon Libération.

Robert Smith déclare que cet album est le troisième volet d'une trilogie entamée avec Pornography et poursuivi avec Disintegration, représentative de la musique du groupe. Il annonce dans un premier temps que Bloodflowers sera le dernier album et que la tournée qui suit est une tournée d'adieu, avant de mettre un bémol à ses déclarations. Le Dream Tour débute le 27 mars à Madrid et se termine à Brisbane le 21 octobre.

Le début des années 2000 voit aussi Robert Smith collaborer de plus en plus avec d’autres musiciens. Outre Reeves Gabrels, il travaillera entre autres avec Earl Slick, Junkie XL, Junior Jack ou encore Blink 182.

2001 marque la fin du contrat avec le label Fiction Records. À cette occasion paraît la compilation Greatest Hits incluant deux titres inédits, Cut Here et Just Say Yes. Un DVD (le premier du groupe) portant le même titre sort simultanément, regroupant la plupart des clips.

Après une tournée estivale en 2002, The Cure donne au mois de novembre trois concerts exceptionnels à Forest National à Bruxelles et au Tempodrom de Berlin, jouant en intégralité les titres des albums Pornography, Disintegration et Bloodflowers. Les deux prestations de Berlin sont filmées pour les besoins d'un DVD, Trilogy qui sortira l'année suivante.

Un contrat est signé avec Geffen Records en 2003.

Début 2004 sort un coffret de quatre CD, au format Long Box, intitulé Join the Dots: B-sides and Rarities, 1978-2001 (The Fiction Years), compilant toutes les faces B ainsi que des morceaux rares ou inédits. Au mois de juin sort le nouvel album simplement titré The Cure. Enregistré en prise directe et produit par Ross Robinson, il offre une sonorité rock brute qui réjouit les critiques^,. Ce disque marque le retour dans le Top 10 des charts internationaux, notamment aux États-Unis où il atteint la 7^e place. Le groupe entreprend une tournée des festivals d'été en Europe puis joue en Amérique du Nord dans le festival itinérant Curiosa, créé par Robert Smith, partageant l'affiche avec entre autres Interpol, Mogwai ou Muse. Le 14 octobre, The Cure joue lors du concert anniversaire des vingt ans de la chaîne Canal+ et interprète notamment un titre avec Placebo. Le lendemain, les cinq britanniques enregistrent une Black session dans le Studio 105 de la Maison de Radio France qui sera diffusée le 6 décembre sur France Inter.

À la fin de l'année, Three Imaginary Boys est disponible en édition Deluxe, remastérisé et avec un second CD rempli d'inédits ou de morceaux rares. C'est le premier de la série, suivront Seventeen Seconds, Faith et Pornograhy en avril 2005, The Top, The Head on the Door, Kiss me, Kiss me, Kiss me en août 2006, et Disintegration en mai 2010.

4:13 Dream (2005-2009)

En mai 2005, pour la première fois depuis dix ans, des changements interviennent dans la composition du groupe. Robert Smith annonce à Roger O’Donnell et Perry Bamonte qu’ils ne font plus partie de l’aventure car il veut réduire sa formation à un trio. Cependant, le mois suivant The Cure devient un quatuor avec le retour du guitariste Porl Thompson. C'est à Versailles lors du Live 8 le 2 juillet que la nouvelle formation donne son premier concert. Ils entreprennent une tournée de festivals dont sera issu le DVD Festival 2005, sorti fin 2006.

Après avoir longuement peaufiné en studio les titres du prochain album, et avant de le publier, le quatuor se lance dans une tournée mondiale, le 4 Tour, à partir du 27 juillet 2007 au Japon, parcourant la Chine, Singapour, l'Australie, la Nouvelle-Zélande et le Mexique, puis l'Europe et l'Amérique du Nord en 2008, achevant la tournée le 21 juin à New York. Le set, très fourni, pouvait durer parfois près de 4 heures. Les concerts de Paris-Bercy, New York et Charlotte aux États-Unis ont été filmés en vue d'un DVD. Finalement les shows de Charlotte et de Paris-Bercy font l’objet d’une diffusion à la télé. Le premier, intitulé 4Play in Charlotte, est diffusé dans une version d’une heure le 26 octobre 2008 sur la chaîne américaine HDNet, le second, The Cure Live in Paris 2008, est proposé dans une version de 90 minutes sur Virgin 17 le 11 juillet 2009.

Le groupe a prévu de sortir à compter du mois de mai 2008 quatre singles, à raison d'un par mois, à la date du 13 : The Only One le 13 mai, Freakshow le 13 juin, Sleep When I'm Dead le 13 juillet, The Perfect Boy le 13 août. Vient s'ajouter le 13 septembre un maxi intitulé Hypnagogic States comprenant des remixes des quatre singles. The Only One, Freakshow, Sleep When I'm Dead et le maxi Hypnagogic States réussissent à se classer à la 1^re place des charts en Espagne, The Perfect Boy atteint quant à lui la 2^e position.

Le 13^e album studio, titré 4:13 Dream sort le 27 octobre 2008 avec des critiques mitigées : « Album à la richesse inattendue », d'après Hugo Cassavetti, « sans consistance » pour Libération, « ni saveur » pour Les Inrockuptibles. Le disque inclut les quatre singles sortis plus tôt. 4:13 Dream devait être à l’origine un double album, mais suite à des divergences entre Robert Smith et Geffen au sujet du prix de vente du disque et des royalties, il sort sous la forme d’un CD simple. Ce qui aurait dû constituer la seconde partie de 4:13 Dream est prévu pour sortir indépendamment dans le courant de l’année 2009. Décrit par Robert Smith comme étant plus sombre, le disque est simplement appelé Dark Album. Mais les ventes décevantes de 4:13 Dream semblent contrarier le projet qui ne voit pas le jour. Une rumeur de séparation entre The Cure et leur maison de disques se met à circuler sur le net. Il faut attendre une interview de Robert Smith pour le New Musical Express en mars 2012 pour avoir confirmation que le groupe n'est plus sous contrat. Le chanteur dit aussi qu'il souhaite ressortir 4:13 Dream, remixé, avec les titres manquants, sous la forme d'un double album vendu au prix d'un simple comme il le voulait au départ.

Au début de l'année 2009 The Cure reçoit pour l'ensemble de sa carrière le prix de « Godlike Genius » aux NME Awards des mains de Tim Burton qui rend hommage au groupe en le remerciant de l'avoir inspiré.

Activités récentes et projets (2010?)

Alors que sort, le 24 mai 2010, Disintegration en édition Deluxe de 3 CD (incluant l’album original remastérisé, des titres inédits et rares et le live Entreat augmenté de quatre chansons), l'année 2010 voit Robert Smith interpréter un duo avec la rockeuse québécoise Anik Jean, participer en solo au disque Almost Alice où différents artistes interprètent des chansons inspirées du film Alice au pays des merveilles de Tim Burton, et collaborer avec les groupes 65daysofstatic et Crystal Castles. Il est également présent sur un album hommage au guitariste et chanteur John Martyn et sur un titre du nouvel album de The Japanese Popstars, Controlling Your Allegiance, disques qui sont publiés durant l'été 2011.

The Cure est de retour sur scène en 2011 au Vivid Festival à l'opéra de Sydney les 31 mai et 1^er juin. Lors de ces deux concerts, baptisés Reflections, le groupe joue l'intégralité de ses trois premiers albums mais sous trois formations différentes totalement inédites : l'album Three Imaginary Boys est interprété par un trio composé de Robert Smith (chant et guitare), Simon Gallup (basse) et Jason Cooper (batterie). Roger O'Donnell fait son retour aux claviers pour jouer Seventeen Seconds, puis Lol Tolhurst se joint à ses quatre camarades, aux claviers et aux percussions, pour l’exécution de Faith. Porl Thompson est, en revanche, absent. Les concerts ont été filmés en vue d'un DVD.

Le 10 septembre 2011, The Cure se produit au Bestival de l'Ile de Wight. Porl Thompson est une nouvelle fois absent (il n'annoncera officiellement son départ qu'au début du mois de mai 2012, tout en précisant qu'il se fait désormais appeler Pearl et non plus Porl ) mais Roger O'Donnell est quant à lui présent aux claviers et, à l'issue du concert, il annonce sur internet sa réintégration officielle dans le groupe. Un double album live de l'intégralité du concert, Bestival Live 2011, dont les bénéfices sont reversés à l'association caritative Isle of Wight Youth Trust, sort le 5 décembre sur le label Sunday Best Recordings.

Suite à une forte demande des fans, une tournée de 7 dates des concerts Reflections est organisée en novembre : le 15 au Royal Albert Hall à Londres, du 21 au 23 au Pantages Theatre à Los Angeles et enfin du 25 au 27 au Beacon Theatre à New York .

Une tournée de festivals européens d'une vingtaine de dates, le Summercure Tour 2012, débute le 26 mai 2012 au Pinkpop, elle passe deux fois par la France, le 30 juin aux Eurockéennes de Belfort et le 20 juillet aux Festival des Vieilles Charrues, voit The Cure se produire pour la première fois en Russie au Maxidrom à Moscou, et se termine le 1^er septembre 2012 en Irlande au festival Electric Picnic. Depuis cette tournée, le groupe est accompagné par le guitariste Reeves Gabrels.

En avril 2013, le groupe effectue une nouvelle tournée, cette fois en Amérique latine : le LatAm2013 Tour qui passe par le Brésil, le Paraguay, l'Argentine, le Chili, le Pérou, la Colombie et le Mexique. En juillet et août, il donne cinq concerts (baptisés Great Circle Tour 2013) lors de festivals en Corée du Sud, au Japon (Fuji Rock Festival),à Hawaï, au Canada (Osheaga) et au Lollapalooza à Chicago. Puis avec la mini tournée AutumnCure 2013, le groupe donne rendez-vous sur scène à l'automne à Austin pour deux dates au festival Austin City Limits, à Monterrey et à La Nouvelle-Orléans.

Début 2014, après l'annonce de deux concerts, très vite complets, les 28 et 29 mars 2014 au Royal Albert Hall à Londres, au profit du Teenage Cancer Trust (association qui vient en aide aux enfants et adolescents atteints d'un cancer), The Cure prévoit cette année la sortie d'un nouvel album titré 4:14 Scream, dont les morceaux auraient été enregistrés à la même période que 4:13 Dream et réarrangés. Un DVD live est également prévu, ainsi qu'une série de concerts du genre Trilogy et Reflections, à la fin de l'année, où le groupe interprètera cette fois l'intégralité des albums The Top, The Head on The Door et Kiss me, Kiss me, Kiss me.

Style musical et influences

Inspirations musicales et littéraires

Souvent rattaché au rock gothique par la presse anglaise^,, The Cure a toujours refusé cette étiquette ou d’être rangé dans tout autre style précis. Robert Smith déclarera à un journaliste : « Avec des titres comme Lovecats, Let’s Go to Bed, explique-moi ce qui est gothique là-dedans (?) Un groupe gothique ne ferait pas des chansons comme celles-là. » La musique des Cure a pu inclure différentes influences : psychédélique, jazz (The Lovecats), rhythm and blues (Why Can’t I Be You ?), funky (Hot Hot Hot !!!), hispanique (The Blood) et n’hésitant pas à revisiter ses morceaux en les remixant pour les pistes de danse.

Robert Smith n’a jamais fait de mystère des influences de son groupe : Jimi Hendrix, David Bowie, Joy Division, Captain Beefheart, Wire, Nick Drake ou Siouxsie and the Banshees avec qui il a par ailleurs joué. Parmi les groupes qu'il apprécie tout particulièrement, sans qu'il s'agisse toutefois de véritables influences, il cite régulièrement dans les années 1980 Cocteau Twins, Echo & The Bunnymen ou The Psychedelic Furs, et plus récemment, Placebo, Deftones ou Mogwai. En revanche, il n'a jamais été tendre envers U2 ou bien Simple Minds, estimant qu'ils font partie de l'establishment, un système auquel The Cure n'appartient pas.

On trouve l’influence d’œuvres littéraires dans plusieurs chansons : Killing An Arab (Albert Camus), Charlotte Sometimes et The Empty World (Penelope Farmer), At Night (Franz Kafka), The Drowning Man (Mervyn Peake), Bananafishbones (J. D. Salinger), How Beautiful You Are (Charles Baudelaire)?

Paroles des chansons

Les textes des chansons sont écrits par Robert Smith (à l’exception de All Cats are Grey et Doubt, figurant sur l'album Faith, signées respectivement Lol Tolhurst et Simon Gallup) et tiennent une place aussi importante que la musique du groupe. Plusieurs journalistes ont souligné l’intérêt des paroles écrites par Smith. Loin d’être des chansons engagées politiquement ou socialement, elles dessinent « un monde intime, secret, hanté d’images floues, de subtiles tentations, de conflits extérieurs, d’ambigüité et de déchirements, de fantasmes et de contradictions » d’après Philippe Blanchet. Selon Thierry Desaules, les paroles de l’album Pornography sont « tout bonnement sublimes et d’une grande poésie ». Georges Daublon consacre un article de plusieurs pages aux textes de Robert Smith dans Best en 1985, relevant que les mots « froid, noir, nuit, tuer, mort, mourir, perdre, se perdre, saigner, sang, tomber, chute, feu, brûler, rire, cri, yeux, bouche » reviennent très souvent.

Influence de The Cure sur d'autres artistes

L’influence musicale de The Cure s’exerce sur des groupes comme Placebo, The Smashing Pumpkins (les membres de ces deux formations ont collaboré avec Robert Smith, le leader de Placebo aura même l’occasion d’interviewer son idole), Interpol, Mogwai, Bloc Party, The xx, Korn qui a invité Robert Smith lors de son MTV Unplugged, etc.

Un nombre important de cover bands a vu le jour à travers le monde (par exemple, CureHeads en Grande-Bretagne, Curiosity en Belgique, The Spinning Tops en France) et plusieurs compilations hommages regroupant divers artistes reprenant le répertoire de The Cure sont sorties (notamment Imaginary Songs avec des artistes français comme -M-, Dionysos ou Mickey 3D et Pink Pig Project qui comporte pas moins de 14 CD).

La popularité et l'influence de The Cure peuvent aussi se mesurer avec l'apparition, dans les années 1980, du groupe néerlandais The Essence, véritable groupe-clone reproduisant dans ses disques les arrangements des britanniques et copiant la voix et le phrasé de Robert Smith.

En dehors du domaine musical, on trouve l'influence de The Cure chez le cinéaste Tim Burton qui a révélé s'être inspiré de Robert Smith pour créer le personnage d’Edward aux mains d'argent. Le chanteur servira aussi de modèle pour Trey Parker et Matt Stone, créateurs de la série d'animation South Park, dans l'épisode Mecha Streisand. La version animée de Robert Smith y apparaît, et le musicien double lui-même son personnage dans la version originale.

Coralie Trinh Thi, ancienne actrice de films pornographiques, aujourd'hui réalisatrice et écrivain, a publié en 2007 La Voie humide, une œuvre au rouge, un livre où l'œuvre du groupe tient une place importante. Elle se décrit par ailleurs comme amoureuse de The Cure, et non pas fan.

The Cure sur scène

Comme en témoignent les nombreux concerts donnés autour du monde, la scène est le terrain de prédilection de The Cure. Même s'il a joué dans de grandes salles et des stades, le groupe n'a jamais transformé ses concerts en shows gigantesques. Les décors restent sobres, seule une importante batterie d'éclairage vient « habiller » les chansons, soulignant la vigueur des plus rapides (jouées sur un tempo plus élevé encore et apportant de vraies transformations par rapport aux versions studio), ou favorisant une ambiance de recueillement pour les plus mélancoliques que Robert Smith fait vivre intensément grâce à son interprétation, comme Faith notamment. Sur scène, les membres du groupe sont relativement statiques, contrairement à beaucoup de formations rock, ce qui offre un contraste avec les morceaux joués énergiquement. Un contraste qu'un journaliste exprimera, après avoir assisté à un concert en 1989, en titrant son article « La Violence immobile ».

Au fil des ans, certains titres sont devenus des incontournables qui entraînent la participation spontanée du public. Par exemple A Forest, dont les dernières notes jouées à la basse sont systématiquement accompagnées par le public qui frappe dans ses mains, ou encore Boys Don't Cry, In Between Days, Play For Today, dont il reprend en chœur les mélodies. Quant au nombre de chansons jouées, il peut parfois aller au-delà de quarante et la durée du concert dépasser les trois heures et demie.

The Cure possède dans son répertoire deux titres spécialement réservés à la scène : Forever et All Mine. Le premier est une improvisation basée sur les accords du titre Three qui figure sur l'album Seventeen Seconds. Depuis la première fois où il fut interprété en mai 1980, ce morceau a subi de nombreuses transformations, y compris]]> Fri, 06 Mar 2015 15:40:00 +0000 https://trentmix.radio-site.com/artistes/david-bowie-49 https://trentmix.radio-site.com/artistes/david-bowie-49 David Bowie, de son vrai nom David Robert Jones, né le 8 janvier 1947 à Londres, dans le quartier de Brixton, est un chanteur, compositeur, producteur de disques et acteur britannique. Au long de plus de quatre décennies d'une carrière marquée par des changements fréquents de style et une ré-invention permanente de son personnage et de ses approches musicales, il s'est imposé comme un des artistes musicaux les plus originaux, les plus importants et novateurs de la musique pop et rock, au point que de très nombreux artistes se sont réclamés de son influence. Il a écoulé plus de 140 millions d'albums dans le monde.

Après débuts hésitants entre le folk et la variété dans la deuxième moitié des années 1960 et un détour par le mime, il se fait connaitre du public en juillet 1969, lorsque son titre Space Oddity entre dans le top five des meilleurs ventes au Royaume-Uni.

Mais c'est 3 ans plus tard que Bowie devient réellement une vedette, en 1972, par l'intermédiaire de son alter ego décadent Ziggy Stardust : il impose alors un glam rock sophistiqué et apocalyptique et des spectacles flamboyants. À cette époque, il participe aussi aux carrières solo de Lou Reed et d'Iggy Pop en tant que collaborateur et producteur.

Pendant le reste de la décennie, il s'intéresse aux musiques noires (soul, funk et disco) et à la musique électronique émergente, créant des mélanges nouveaux notamment avec la complicité du producteur et musicien Brian Eno. Dans les années 1980, il devient une vedette grand public et remplit les stades avec une pop efficace, puis finit la décennie avec un revirement complet, intégrant le groupe de garage rock Tin Machine.

Les années 1990 l'ont vu retourner à un style plus expérimental intégrant des musiques contemporaines telles la techno et le drum and bass.

Absent de la scène musicale depuis 2004, David Bowie n'a plus donné de tournée depuis le Reality Tour de 2003-04, et sa dernière prestation sur scène remonte à 2006. Son dernier album studio, The Next Day, est sorti en France le 11 mars 2013.

En 2004, Rolling Stone l'a placé en 39^e place de son 100 « Greatest Artists of All Time », et 23^e de sa liste des Meilleurs Chanteurs de tous les temps.

Il a joué dans un certain nombre de films de divers genres : drame historique, science-fiction, thriller gothique, film pour enfants. David Bowie est le père du réalisateur de films Duncan Jones. C'est un collectionneur d'art contemporain (entre autres, Peter Howson et Derek Boshier).

Biographie

Origines

Fils de Margaret Mary Burns et Haywood Stenton Jones, David Robert Jones naît le 8 janvier 1947 à Brixton dans le sud de Londres. À cette époque le quartier est relativement pauvre. Ses parents déménagent ensuite dans le quartier tranquille et coquet de Bromley, dans le Kent. Margaret travaille comme ouvreuse de cinéma et Haywood est chargé des relations publiques pour l'organisation caritative le Barnardo's. David éprouve une immense admiration pour son demi-frère Terry Burns, de 10 ans son ainé, né de la première union de sa mère avec Wolf Rosenberg, qui l'initie à la musique. Ils vont ensemble à des concerts de jazz, et, âgé d'à peine 13 ans, David apprend à jouer du saxophone. Le rôle de Terry, qui souffre de troubles mentaux et finira par se suicider, est déterminant dans l'œuvre de David Bowie, qui l'évoquera dans plusieurs titres : The Bewlay Brothers sur l'album Hunky Dory, Ashes to Ashes sur l'album Scary Monsters, All the Mad Men sur l'album The Man Who Sold the World.

À quinze ans, lors d'une bagarre son camarade de classe George Underwood lui donne un coup de poing qui lui abîme gravement l’œil gauche et lui laisse la pupille dilatée en permanence (phénomène nommé mydriase), ce qui donne souvent l'illusion qu'il a les yeux vairons, alors que ses deux yeux sont également bleus, même si l'un apparaît noir. Underwood, devenu photographe, travaillera plus tard sur ses premières pochettes de disques (notamment le dos de la pochette de l'album Space Oddity et la pochette américaine de The Man Who Sold the World). À la Bromley Technical High School, le lycée technique qu'il fréquente, étudient aussi Peter Frampton avec qui il collaborera en 1987 et Hanif Kureishi le futur auteur du fameux The Buddha of Suburbia (Le Bouddha de banlieue), pour lequel Bowie composera la bande sonore du film du même nom bien plus tard.

Les débuts

Il débute en 1964 en jouant avec différents groupes (le premier à quinze ans, the Konrads, puis the Hooker Brothers. the King Bees, the Mannish Boys, the bower Third. the Buzz, the Riot Squad, Turquoise, Feathers) et publiant quelques singles dans un style rhythm and blues / rock 'n' roll. Il adopte le pseudonyme « David Bowie » à cette époque, pour éviter la confusion avec le chanteur des Monkees Davy Jones. Ce pseudonyme est emprunté à James Bowie, un héros de la conquête de l'Ouest, connu pour son Bowie-knife. À cette époque, il apparaît dans l'émission Tonight sur la BBC, en tant que président de la Société Protectrice des Hommes aux cheveux longs. En 1967, sa rencontre avec Lindsay Kemp, directeur d'une compagnie de théâtre, s'avère fructueuse : celui-ci lui enseigne le mime, l'expression corporelle et les textes de Jean Genet. Sa carrière solo débute avec l'album David Bowie, sur le label Deram, qui oscille entre variété et pop humoristique mais se révèle un échec. Son contenu, ainsi que les autres chansons de cette époque, sera repris par Deram sur de nombreuses compilations.

C'est à peu prés à cette époque, qu'on lui confie l'adaptation d'une chanson française, Comme d'habitude interprétée alors par Claude François. Bowie dispose de dix jours, pas un de plus, pour ce travail. Il se met à l’œuvre, trouve un titre (Even a Fool Learns to Love) et une partie du texte, mais ne parviendra finalement pas à achever l'adaptation, qui sera finalement signée par Paul Anka et qui deviendra le tube international My Way.

C'est en 1969 qu'il se révèle au grand public avec le titre Space Oddity qui fait écho aux émotions suscitées par les premiers pas de l'homme sur la Lune. La chanson est utilisée comme générique des émissions de la BBC consacrées à la mission Apollo. Ce morceau, produit par Gus Dudgeon (futur producteur attitré d'Elton John), trahit l'influence de Syd Barrett et peut s'interpréter à deux niveaux : celui d'un astronaute larguant les amarres ou celui d'un junkie. Il existe aussi une version en italien : Ragazzo Solo, Ragazza Sola. Cependant, le disque enregistré dans la foulée déçoit : réalisé par Tony Visconti, Bowie peine à s'imposer musicalement, entre ballades légères et vague influence dylanesque. L'album, initialement intitulé Man of Words / Man of Music, est un échec commercial, mais il réapparaît en tête des ventes anglaises quelque temps plus tard sous une nouvelle pochette et rebaptisé Space Oddity. À cette époque, Bowie rencontre une actrice américaine débutante, Angela Barnett, qu'il épouse le 19 mars 1970. Leur fils Duncan Zowie Haywood Jones nait le 30 mai 1971.

Les années glam

L'année 1970 voit se confirmer la collaboration avec Tony Visconti, et l'arrivée du guitariste Mick Ronson avec lequel il sort l'album The Man Who Sold the World en 1971 amorce une fructueuse collaboration. Il produit son premier coup d'éclat dans les médias en posant habillé en femme sur la pochette, tout en proposant un rock très incisif sur les morceaux All the Madmen et The Width of a Circle, ainsi que les hits After All et The Man Who Sold the World.

Pour Hunky Dory, toujours en 1971, Ken Scott, ancien ingénieur du son des Beatles, prend la place de Tony Visconti à la production. L'album, ponctué d'hommages explicites à Bob Dylan et Andy Warhol, est plus posé, piano et arrangements de cordes l'emportant (Changes, Life on Mars? et un Queen Bitch sous influence du Velvet Underground). L'album se clôt par un The Bewlay Brothers crépusculaire où Bowie évoque son frère schizophrène Terry Jones.

Contribuant largement à l'invention du glam rock et à ses outrances vestimentaires, Bowie se teint les cheveux en rouge (idée suggérée par sa femme Angie), joue de son ambigüité sexuelle et devient un phénomène médiatique avant même d'être un gros vendeur de disques. 1972 sera l'année de son explosion commerciale au Royaume-Uni : il « devient » alors Ziggy Stardust et joue avec les Spiders from Mars : Mick Ronson à la guitare, Trevor Bolder à la basse et Mick Woodmansey à la batterie. L'album The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars est un énorme succès et les tournées s'enchainent, rassemblant des milliers de fans admirateurs du personnage et de l'atmosphère dégagée par Ziggy. Cet alter ego de Bowie, mélange d'Iggy Pop, de Marc Bolan et, d'une manière plus décalée, de Vince Taylor ou du Legendary Stardust Cowboy, arrive au bon moment, alors que reflue la vague musicale des années 1960. Les Beatles et le Swinging London ne sont plus qu'un souvenir, des groupes comme Led Zeppelin ou Free s'adressent à un public adulte : le public adolescent va donc se ruer sur T. Rex (qui a préparé le terrain avec Electric Warrior), Bowie et plus tard Roxy Music ou Mott the Hoople. Bowie a aussi bien compris qu'il est désormais inutile d'attendre que la musique change le monde. Comme l'a chanté John Lennon dès 1970, « the dream is over » (« Le rêve est fini »). Il se place donc exclusivement sur le terrain du fantasme, de l'outrance, incarnant la décadence des mœurs dénoncée par les médias anglais les plus conservateurs.

Après une tournée sur le continent américain, montée grâce à l'avance extorquée à RCA par son manager, le redoutable Tony Defries, Bowie publie en 1973 un nouvel album, Aladdin Sane. Marqué par le son du piano de Mike Garson qui l'accompagnera sur plusieurs albums ultérieurs, ce disque exploite de façon plus brute le même filon que son prédécesseur.

Il finit par se débarrasser symboliquement de Ziggy sur scène le 3 juillet 1973 à l'Hammersmith Odeon. La presse est prévenue la veille et le concert est enregistré par RCA à des fins commerciales. Sur scène, il prononce la phrase devenue célèbre : « Non seulement ce concert est le dernier de la tournée, mais c'est aussi le dernier que nous ferons jamais », ce qui est interprété sur le moment comme un adieu à la scène. Il sort un album de reprises de titres des années 1960 Pin Ups, produit des artistes tels que Lou Reed ou Mott the Hoople et tente de mixer le Raw Power d'Iggy and the Stooges, dont l'enregistrement tourne à la catastrophe technique. Cette période marque la fin des Spiders from Mars.

Avec Diamond Dogs (1974), David Bowie a du mal à maîtriser un projet dans lequel il s’embarque sans Mick Ronson, jusque-là son principal collaborateur. L’album est censé être à l'origine une adaptation du roman 1984, avec une tournée-revue du rock « décadent » qu’il incarne alors, mais il se heurte au refus des ayants droit de George Orwell. Diamond Dogs décrit une société future apocalyptique avec un nouveau personnage, Halloween Jack. Mais c’est aussi la période où le chanteur s’enfonce dans une addiction massive à la cocaïne. Isolé en studio, il sombre rapidement dans un abîme de paranoïa et de mégalomanie. Tony Visconti, appelé en renfort, arrive à sauver l'enregistrement de la faillite. Diamond Dogs et son ambiance glauque semblent particulièrement appréciés de son auteur : il s'agit du seul album dont il supervisera personnellement la remasterisation pour l'édition CD.

Les enregistrements de la tournée américaine Diamond Dogs donnent le double-album David Live en 1974. Bowie semble dépassé par son succès et incapable de contrôler son image publique. Sous l'emprise de la cocaïne, il est rongé par la paranoïa et se lance dans des délires mystico-totalitaires dont il se sauvera en se réfugiant à Berlin.

La période soul/funk

Dans ces conditions, la parution de Young Americans, en 1975, est une surprise. Bowie, nouvellement arrivé dans la ville de Los Angeles, fait subir à son personnage une métamorphose radicale, qui emprunte esthétiquement au cabaret allemand de l’entre-deux-guerres et musicalement aux musiques noires nord-américaines. La renaissance artistique s’accompagne de la réussite commerciale ; le single Fame, coécrit avec John Lennon, est son premier numéro 1 américain et l’album se classe bien des deux côtés de l’Atlantique.

Il tourne également en 1975 le film L'Homme qui venait d'ailleurs (The Man Who Fell to Earth) de Nicolas Roeg, dans lequel il incarne Thomas Jerome Newton, un extraterrestre échoué sur Terre qui cherche à regagner sa planète d'origine, dévastée par une catastrophe écologique. Le script, écrit pour Bowie par Roeg (qui a déjà fait tourner Mick Jagger dans Performance), lui va comme un gant, et il se contente de laisser sa présence fantomatique imprimer la pellicule. Par un étrange retournement de situation, on voit à la fin son personnage se recycler dans la chanson et devenir rock star sous le nom de The Visitor (on peut en outre voir des exemplaires de Young Americans sur des présentoirs) : l'extraterrestre incarne David Bowie. Deux photos tirées du film serviront aux pochettes de Station to Station et Low.

Sorti en 1976, Station to Station semble issu de séances de studios avortées pour la bande originale de L'Homme qui venait d'ailleurs (finalement composée par John Phillips), mais la chronologie reste floue : Bowie lui-même, à la pointe de sa toxicomanie à l'époque, a déclaré qu'il ne se rappelait même plus l'avoir enregistré. Le chanteur y est accompagné par Roy Bittan, claviériste de Bruce Springsteen, par sa nouvelle recrue à la guitare depuis la tournée Diamond Dogs, Earl Slick, et de l'équipe de Young Americans. L'album propose une forme de funk froid et robotique, Bowie semble de nouveau sur la corde raide. Malgré tout, le disque se classe très bien dans les charts américains, de même que le single Golden Years, écrit à l'origine pour Elvis Presley, qui le refuse. La tournée Station to Station impose le personnage élégant du Thin White Duke (« Maigre Duc Blanc ») et une esthétique dépouillée empruntée à l'expressionnisme allemand et à Bertolt Brecht.

Durant la même période, la vie personnelle de Bowie se délite : rongée par ses abus et sombrant dans un délire mystico-totalitaire, il abîme son image publique avec des déclarations ambiguës sur le nazisme, reniées depuis. Influencé par l'atmosphère propre à la ville de Los Angeles et la cocaïne, le chanteur semble se perdre dans le miroir que lui renvoie son œuvre et dans la galerie de personnages qu'il incarne alors tour à tour. Cette désincarnation passagère le mènera à des écarts fameux comme l'entrevue accordée à Playboy en 1976 où il compare Hitler, « la première rock star », à Mick Jagger pour son art de la mise en scène et du maniement des foules.

La trilogie berlinoise

Après la tempête médiatique de 1976 vient la rédemption, avec la « période berlinoise » (1977-1979) et la trilogie Low, Heroes et Lodger avec Brian Eno, ancien membre de Roxy Music. Ziggy a alors perdu la plupart de ses fans, mais David Bowie conquiert une nouvelle génération d'admirateurs.

Fuyant l'atmosphère viciée de Los Angeles, « le film le plus terrifiant jamais écrit », et la quasi-démence de son entourage, Bowie trouve refuge, en compagnie d'un Iggy Pop assez mal-en-point lui aussi, à Berlin, alors en proie à une grande effervescence artistique.

Influencé par le rock allemand de Can, Neu! ou Kraftwerk, Bowie s'y redéfinit en tant qu'artiste et jette les bases d'une fructueuse période qui le voit abandonner le costume monochrome du Thin White Duke et de la rock-star capricieuse et mégalomane pour celui d'une avant-garde européenne continentale, semant au passage une partie de son public, notamment américain.

Low et Heroes sont divisés entre des morceaux rapides déchirés par les guitares de Robert Fripp, d'Adrian Belew ou de Carlos Alomar, et de lents instrumentaux remplis de nappes rêveuses de synthétiseurs, et de la stratégie oblique chère à Brian Eno. Les albums sont risqués, certains morceaux plutôt abscons, mais Bowie y gagne une grande reconnaissance artistique célébrée par toute la jeune New Wave anglaise du début des années 1980. Le compositeur américain Philip Glass s'inspire de certains morceaux de Low et Heroes qu'il réenregistre dans les années 1990. Lodger est plus conventionnel dans sa structure, mais Bowie s'y aventure vers des territoires inusités où une influence world (African Night Flight, Yassassin) préfigure les productions de Brian Eno pour les Talking Heads sur Fear of Music ou Remain in Light. De cette trilogie dite « berlinoise », seul Heroes a été produit totalement à Berlin. Low a partiellement été enregistré en France, au Château d'Hérouville et Lodger en Suisse au Mountain Studios. La trilogie a été conçue en à peine dix-huit mois.

Il compose et produit au cours de la même période deux albums d'Iggy Pop, The Idiot et Lust for Life, avec qui il trouve le temps de jouer en concert, tenant le clavier. The Idiot est très proche de Low et Heroes dans sa conception.

Quittant Berlin, Bowie reprend sa carrière d'acteur, incarnant John Merrick dans la pièce The Elephant Man de Bernard Pomerance, mise en scène par Jack Hofsiss à Broadway qui connaît un succès énorme. Il apparaît également dans son propre rôle dans le film Moi, Christiane F., 13 ans, droguée, prostituée? d'Uli Edel.

Les années MTV

1980 est l'année du succès planétaire avec l'album Scary Monsters qui atteint la première place des ventes dans pratiquement tous les pays d'Europe, avec notamment le titre Ashes to Ashes, où il se moque du Major Tom de Space Oddity (« We know Major Tom's a junkie »). L'album, s'appropriant le post-punk, conjugue des guitares très agressives (Scary Monsters and Super Creeps, It's no Game Part 1) à un côté plus dansant (Fashion). Bowie semble alors intouchable.

En 1980, il participe à la composition, à la production, et à l'enregistrement du single Under Pressure avec le groupe Queen, qui deviendra numéro 1 des "charts" anglais. Ce titre a été enregistré à Montreux sur l'invitation de Queen qui possédait alors le Mountain Studio où Bowie venait régulièrement travailler, notamment avec l'ingénieur du son David Richard. Début 1982, il publie les 5 chansons de Baal (en) pour une interprétation de la pièce éponyme de Berthold Brecht diffusée sur la BBC.

David Bowie aborde alors une nouvelle phase dans sa carrière avec Let's Dance (1983). Produit par Nile Rodgers de Chic, cet album lui permet de toucher le grand public. Grâce aux clips de David Mallet largement diffusés sur MTV, il contribue aux côtés d'artistes comme Madonna ou Michael Jackson à façonner le ton des années 1980. Les ventes de Let's Dance sont massives et atteignent les 14 millions d'exemplaires. L'album est le deuxième « hit » de l'année 1983 derrière Thriller. La tournée mondiale Serious Moonlight Tour le fait pour la première fois se produire dans les stades : 150 000 personnes viennent le voir en deux jours à Paris à l'hippodrome d'Auteuil. Multipliant les apparitions cinématographiques (Les Prédateurs, Furyo) le chanteur semble mener plusieurs carrières de front avec succès. En 1986, il tient encore le rôle principal masculin, celui du roi des gobelins Jareth, dans le film familial Labyrinthe de Jim Henson aux côtés de Jennifer Connelly et de multiples marionnettes. Il signe également une partie de la BO.

Tonight en 1984, qui comporte le tube Blue Jean, se vend encore très bien mais semble en retrait du fait de son manque de compositions originales. L'album Never Let Me Down, enregistré en 1987, se veut un retour plus rock mais ne remporte pas le succès critique et commercial escompté. La tournée mondiale Glass Spider Tour, incorporant Peter Frampton à la guitare, bien que très ambitieuse (décor avec araignée géante animée, troupe de danseurs) et malgré sa volonté de faire revivre un catalogue prestigieux, ne fait pas l'unanimité auprès des critiques, même si le public est là. Après le dernier concert de la tournée, Bowie fera brûler le décor.

La renaissance artistique

Après le relatif échec commercial de Never Let Me Down, David Bowie tente de tourner la page des années 1980 pour revenir à un son plus brut, en fondant en 1988 le groupe Tin Machine avec Reeves Gabrels et les frères Tony et Hunt Sales, rythmique d'Iggy Pop période 1977. Fortement influencés par le rock indépendant américain de la fin des années 1980 (Pixies, Throwing Muses, Hüsker Dü), trois albums (dont un live) diversement appréciés mais radicalement différents de ses productions antérieures lui permettent de commencer les années 1990 sur de meilleures bases, malgré le très mauvais accueil (en Angleterre, le NME titre à l'époque « Est-ce que Tin Machine est de la merde ? »). Le ton d'ensemble est marqué par la guitare dissonnante et avant-gardiste de Reeves Gabrels, qui collaborera avec Bowie au-delà du groupe jusqu'en 1999.

1989 voit les débuts de la campagne de réédition des albums de David Bowie, indisponibles depuis longtemps.

Le 20 avril 1992, David Bowie participe à The Freddie Mercury Tribute, le concert géant en hommage au chanteur de Queen mort le 24 novembre 1991. Il interprète avec Queen et Annie Lennox Under Pressure, All the Young Dudes avec Mick Ronson, Ian Hunter et Queen puis Heroes avec Queen. Il étonne aussi avec le public en récitant le Notre Père à genoux.

Cette époque est également celle d'un tournant dans sa vie privée, concrétisé par son mariage, le 6 juin 1992, avec la top model et femme d'affaires Iman. Ils vivent dans un premier temps à New York, avant d'aller s'installer à Londres, puis par la suite à Lausanne en Suisse.

Le premier album solo du « nouveau Bowie » post-Tin Machine (Black Tie White Noise en 1993) n'est pourtant pas complètement convaincant. Très orienté dance, il ne lui permet pas, malgré des ventes honorables, de renouer avec le public rock qui l'a redécouvert à la faveur des rééditions.

À la fin de l'année sort The Buddha of Suburbia, BO (ou plutôt « musique inspirée ») d'une mini-série du même nom diffusée sur la BBC. L'album passe quasi inaperçu, sans promo et éclipsé par le Singles Collection qui sort au même moment. Pourtant, plus encore que le précédent, ce disque témoigne du retour en forme de son auteur. Austère dans son orchestration (Bowie et le multi-instrumentiste Erdal Kizilcay sont les seuls musiciens, collaborations mises à part) et sa production (Bowie et le très discret David Richards) l'objet avec son mélange jazz, new age, pop et électronique préfigure son album suivant.

En 1995 sort 1. Outside, concocté avec Brian Eno. Cet album complexe et ambitieux, qui « raconte » l'histoire d'un détective sur les traces d'un tueur, est ressenti comme une certaine renaissance de l'artiste par de nombreux fans. Pour la première fois depuis bien longtemps, Bowie, inspiré par le rock industriel (Nine Inch Nails) et la techno, prend des risques.

En décembre 1995, peu après la sortie de leur premier single Bruise Pristine, David Bowie, séduit par ce qu’il a entendu de Placebo^{[réf. souhaitée]}, leur propose d’assurer sa première partie pour ses concerts de l'Outside Tour à partir de février 1996 en Suisse, France et Italie, ce qui permettra au groupe de se faire connaître. David Bowie posera d'ailleurs sa voix en 1998 sur le titre Without You I'm Nothing de l'album éponyme de Placebo. Version sortie en single qui ne figure pas sur l'album.

En 1997 vient Earthling, réalisé avec Reeves Gabrels, hybride de rock parfois punk, jungle, techno et drum'n'bass enregistré rapidement à New York et auto-produit. Bowie multiplie à cette période les collaborations (Photek, Goldie). Cette même année, il donne pour ses 50 ans un concert à la hauteur du mythe au Madison Square Garden de New York, avec une pléiade d'artistes de la scène rock : Frank Black, Foo Fighters, Robert Smith, Sonic Youth, Lou Reed et Billy Corgan.

David Bowie participe alors au développement du jeu vidéo The Nomad Soul. Contacté à l'origine pour écrire une ou deux musiques, il est enthousiasmé par le projet et se charge d'une bonne partie de la bande originale avec Reeves Gabrels (l'autre partie est assurée par Xavier Despas). Il incarne en plus deux personnages : le charismatique Boz, chef des Éveillés, ainsi que le chanteur d'un groupe interdit par les autorités. Le joueur peut d'ailleurs assister à trois concerts virtuels de l'avatar de Bowie, et acheter les chansons de l'album Hours?, sorti presque en même temps que le jeu en 1999.

C'est à cette époque, lors de la tournée 1999-2000, que Bowie commence à reprendre sur scène quelques-unes de ses plus vieilles chansons, de l'époque où il ne se faisait pas encore appeler David Bowie. L'idée germe dans son esprit de préparer un album entier composé quasi intégralement de réenregistrements de ses premières chansons. Cela donne le projet d'album Toy, enregistré avec Tony Visconti et dont les artworks sont dessinés, mais qui n'est finalement pas commercialisé. L'album a vu le jour de manière non officielle sur Internet en 2011.

Viennent enfin les albums Heathen (2002), enregistré dans la foulée de Toy, dont quelques chansons réapparaissent sur cet album, et Reality (2003), qui marquent les retrouvailles avec le producteur Tony Visconti. Ces deux disques sont les premiers publiés par Sony sous la double étiquette Columbia et Iso, label créé par Bowie.

Période récente

En 1997, David Bowie est le premier artiste à avoir titrisé une partie de ses droits d'auteur : pour 55 millions de dollars, il a ainsi « prévendu » sous forme d'obligations les revenus futurs (pour 10 ans de 1998 à 2007) de 25 albums antérieurs à 1990.

Entre 1997 et 2000, il participe à une série télévisée qui reprend le titre du film Les Prédateurs dans lequel il avait joué en 1983, sans que la série ait le moindre lien avec le film à part la présence de Bowie et de Tony Scott. La série, aux effets plutôt bon marché, est composée d'épisodes indépendants réalisés par différents réalisateurs (dont Tony et Ridley Scott).

Le 15 août 2000, naît le deuxième enfant de David Bowie, Alexandria Zahra Jones, de son union avec Iman.

Après la sortie de Reality, Bowie se lance dans sa première grande tournée mondiale depuis 1997, baptisée A Reality Tour. Plusieurs concerts ont été reportés en décembre 2003 pour raisons de santé, mais la tournée se prolonge jusqu’à la mi-2004. Le chanteur et son groupe entament alors une tournée des festivals d'été en Europe, mais les quinze dernières dates sont annulées lorsque Bowie subit en urgence une angioplastie. Il n'y a pas eu de nouveau concert de David Bowie depuis cette date. Il enregistre néanmoins quelques duos, notamment sur les disques de jeunes groupes (avec TV on the Radio ou le groupe danois Kashmir), et fait quelques apparitions sur scène, avec le groupe canadien Arcade Fire (retranscrit par le Live EP (Live at Fashion Rocks)), pour des concerts à but caritatif, ou en hommage à Syd Barrett aux côtés de David Gilmour. Au printemps 2008, il collabore à l'album de Scarlett Johansson et continue à faire des apparitions, comme au Festival du film de Tribeca, le 22 avril 2008.

Le mois de juin 2008 voit la parution de Santa Monica '72. Il s'agit de la réédition du concert de 1972 issu de la tournée américaine de Ziggy Stardust diffusé sur la radio KMET. Cette diffusion a donné lieu à un bootleg très connu parmi les fans du Duke. En juillet 2009, un CD/DVD reprenant sa prestation dans l'émission VH1 Storytellers est édité, ainsi qu'un single destiné à fêter les 40 ans de Space Oddity. En 2010 paraissent A Reality Tour, double album retraçant la tournée 2003 de D. Bowie, et l'album coffret Station to Station comprenant les enregistrements originaux remastérisés ainsi qu'un concert en public broadcasté au Nassau Coliseum (États-Unis) d'excellente facture.

Pour des raisons de santé présumées, Bowie aurait pris une semi-retraite. Il décline l'offre de participer à l'album de reprises de Peter Gabriel I'll Scratch Yours en 2010 en réponse à Scratch My Back. Son retour à la musique a lieu au début de l'année 2013 : le 8 janvier, jour de son 66^e anniversaire, il annonce à la surprise générale la sortie d'un nouvel album intitulé The Next Day, le premier depuis dix ans. Le clip du premier single extrait de cet album, Where Are We Now?, est publié sur son site officiel le même jour. Un deuxième single, The Stars (Are Out Tonight), paraît le 26 février. Deux jours plus tard, l'album est disponible à l'écoute en intégralité sur iTunes avant sa sortie physique officielle le 11 mars 2013 en France. Le 15 juillet 2013, le single "Valentine's Day" a droit à un clip tout en sobriété dans lequel David BOWIE apparaît seul, guitare à la main..

Bisexualité

Bowie brise un tabou en janvier 1972 en annonçant sa bisexualité dans une interview avec Melody Maker, à l'époque où il se réinvente en glam-rocker et lance le personnage de Ziggy Stardust. Interviewé par Playboy en septembre 1976 il dit :

« C'est vrai ? Je suis bisexuel. Mais je ne peux pas nier que cela m'ait aidé, c'est la meilleure chose qui me soit arrivée » (« It's true ? I am a bisexual. But I can't deny that I've used that fact very well. I suppose it's the best thing that ever happened to me »).

Bowie s'en distancera lors d'une interview en 1983 avec le magazine Rolling Stone, disant que cette déclaration était « sa plus grosse erreur » (« the biggest mistake I ever made »). En 1993, il déclare être toujours dans « le placard hétérosexuel » (« closet heterosexual »), que son intérêt pour la culture homosexuelle et bisexuelle était plus un produit du temps et de la situation que de ses propres sentiments. « Ce n'était pas quelque chose avec laquelle je me sentais à l'aise » (« It wasn't something I was comfortable with at all »).

Bowie exprime un avis différent dans l'interview de 2002 avec Blender, en réponse à la question : « Vous avez une fois dit que dire que vous étiez bisexuel était "la plus grosse erreur que j'ai jamais fait". Le croyez-vous toujours ? » :

« Intéressant. [Longue pause] Je ne pense pas que c'était une erreur pour l'Europe, mais c'était beaucoup plus dur en Amérique. Je n'ai eu aucun problème concernant le fait que les gens sachent que j'étais bisexuel. Mais je n'avais aucune envie de tenir un drapeau ou d'être le représentant d'un quelconque groupe de personnes. Je savais ce que je voulais être, à savoir un auteur-compositeur et un interprète, et je sentais que cette bisexualité devenait mon titre ici et pour très longtemps. L'Amérique est très puritaine et je pense que ça m'a empêché de faire beaucoup de choses » (« Interesting. I don’t think it was a mistake in Europe, but it was a lot tougher in America. I had no problem with people knowing I was bisexual. But I had no inclination to hold any banners or be a representative of any group of people. I knew what I wanted to be, which was a songwriter and a performer, and I felt that bisexuality became my headline over here for so long. America is a very puritanical place, and I think it stood in the way of so much I wanted to do »).

La journaliste Wendy Leigh publie en 2014 une biographie retraçant certains éléments de sa vie personnelle, notamment sa bisexualité ; estimant que David Bowie n'est pas seulement une icône musicale mais également une « icône sexuelle d'avant-garde. »

Carrière au cinéma

Ayant étudié le théâtre d'avant-garde et l'art du mime avec Lindsay Kemp, il commença sa carrière de comédien en tant que Cloud dans la production théâtrale de Kemp, Pierrot in Turquoise en 1967 (laquelle donna en 1970 le téléfilm The Looking Glass Murders). Dans le court-métrage en noir et blanc The Image (1969), il campe le rôle d'un jeune fantôme sorti de la toile d'un peintre pour le hanter. La même année, il fait une apparition dans l'adaptation du roman de Leslie Thomas, The Virgin Soldiers.

Son premier rôle important est celui de Thomas Jerome Newton dans L'Homme qui venait d'ailleurs réalisé par Nick Roeg en 1976, un extra-terrestre venu sur terre pour trouver des ressources afin de sauver sa planète mourante. David Hemmings lui donne le rôle d'un officier prussien dans l'anglo-allemand C'est mon gigolo en 1979 (aux côtés de Marlene Dietrich). David Bowie monte sur les planches de Broadway pour le rôle principal de The Elephant Man, pièce qui révéla son jeu d'acteur et son talent d'expression : il y eut 157 représentations entre 1980 et 1981. Il apparait alors dans son propre rôle lors d'un concert à Berlin dans Moi, Christiane F., pour lequel la musique qu'il compose lui sert de base pour sa "Trilogie Berlinoise". L'artiste joue ensuite aux côtés de Catherine Deneuve et Susan Sarandon dans Les prédateurs en 1983. Le rôle du Major Jack Celliers, dans Furyo de Nagisa ?shima, lui fait partager l'affiche avec Ry?ichi Sakamoto. Ce film sera une des rares expériences où deux icônes internationales de la pop se donneront la réplique dans un film. Il fait une apparition dans Barbe d'or et les Pirates en 1983 créé par les Monty Python, ainsi qu'un rôle mineur dans Into the night en 1985. On lui proposa la même année le rôle de Max Zorin dans le James Bond Dangereusement vôtre, rôle qu'il déclina (il fut ensuite donné à Christopher Walken). Il compose avec la chanteuse Sade la musique de la comédie musicale rock Absolute Beginners (1986), dans laquelle il tient également un rôle de second plan. La même année, Jim Henson lui demande d'incarner Jareth, maléfique roi des gobelins dans son film fantastique pour enfants Labyrinthe. Il en écrit ainsi la musique (dont le single Magic Dance).

Deux ans plus tard, il est dirigé par Martin Scorsese dans sa version de La Dernière Tentation du Christ, en tant que Ponce Pilate. Les rôles qu'a pu tenir David Bowie sont donc autant divers que variés, de l'employé de restaurant dans The Linguini Incident (1991) à l'agent du FBI du Twin Peaks: Fire Walk with Me (1991) de David Lynch.

Rôle mineur mais décisif pour la carrière du chanteur à l'écran, celui de l'artiste Andy Warhol (auquel il avait déjà dédié une chanson homonyme dans son album Hunky Dory) dans le film biographique sur l'avant-gardiste Jean-Michel Basquiat, Basquiat en 1996. Harvey Keitel et lui s'opposent dans le western italien Gunfighters Revenge en 1998 (à l'origine Il Mio West). Il y démontre une fois de plus la diversité de son jeu. Andrew Goth le fait jouer Bernie, un gangster vieillissant, dans Everybody Loves Sunshine en 1999. Il fait une brève apparition dans le rôle-titre de Mr. Rice's Secret, voisin philanthrope d'un jeune garçon en phase terminale à qui il lègue un antidote à la mort. Il fait également une intervention dans le Zoolander de Ben Stiller l'année suivante. Bowie tient en 2006 le rôle secondaire mais central du physicien Nikola Tesla dans Le Prestige de Christopher Nolan, opposant Christian Bale et Hugh Jackman. Il prête également sa voix à quelques personnages de films d'animation tels que Malthazard dans Arthur et les Minimoys, ou encore Lord Royal Highness dans Bob l'éponge.

Il est apparu au grand écran est en 2008 avec August, film de Austin Chick avec Josh Hartnett, pour lequel il retrouve Rip Torn avec qui il avait travaillé dans The Man Who Fell To Earth, trente ans plus tôt.

Il est également un personnage énormément cité (mais que l'on voit seulement deux fois) dans le film College Rock Stars de Todd Graff.

Discographie

Filmographie

Dans la culture populaire

« Bowie (en) » est le nom du 6^e épisode de la première saison de la série Flight of the Conchords. On y croise une parodie de Bowie à trois époques de sa carrière : en Ziggy Stardust, en Bowie du clip de Ashes to Ashes, et en Jareth, le roi des gobelins du film Labyrinthe (1986).

Le chanteur a composé la musique et même joué dans le jeu The Nomad Soul du studio français Quantic Dream en 1999.

Deux séries créées par Matthew Graham, Tony Jordan et Ashley Pharoah portent les noms de chansons de Bowie : Life on Mars (2006-2007) se situe dans le contexte des années 1970, et Ashes To Ashes (2008-2010) dans celui des années 1980.

Notes et références

Bibliographie

• Notices d’autorité : Fichier d’autorité international virtuel ? International Standard Name Identifier ? Bibliothèque nationale de France ? Système universitaire de documentation ? Bibliothèque du Congrès ? Gemeinsame Normdatei ? Bibliothèque nationale de la Diète ? WorldCat
• Loïc Picaud, David Bowie et le rock dandy, Hors Collection, 2007.
• Nicolas Ungemuth, David Bowie, Librio, 1999.
• Jerome Soligny, David Bowie.
• Jean-Paul Bourre, David Bowie, Ed. Encre, 1984.
• David Buckley, David Bowie : Une étrange fascination.
• Pierre Robin, David Bowie : Du provocateur au séducteur ultramoderne, B. Giovanangeli, 2005, 252 p., ISBN 2-909034-76-3.
• (en) 2002 : Moonage Daydream : the life and times of Ziggy Stardust photos Mick Rock - textes David Bowie (Genesis Publications)
• Enrique Seknadje, David Bowie : Le phénomène Ziggy Stardust et autres essais, Camion blanc, 2009, 217 p., ISBN 978-2-35779-009-4
• Kevin Cann, David Bowie - Any Day Now - Les années Londres 1947-1974, Naïve, 2013, 336 p., ISBN 978-2-35021-300-2

Liens externes

• (en) Le site officiel de David Bowie
• (en) Le site officiel de David Bowie, peintre

Deluxe est un groupe français de musique groove formé en 2007 à Aix-en-Provence.

Biographie

Deluxe se compose à l'origine de cinq amis qui se produisent dans la rue et séduisent les passants d'Aix-en-Provence. Ils rencontrent ensuite Liliboy qui devient la chanteuse du groupe en décembre 2010. Deluxe est ensuite découvert et appuyé par le groupe Chinese Man, qui publie sous leur label, Chinese Man Records, les premiers EP et le premier album du groupe, The Deluxe Family Show.

Le groupe se produit alors en public lors de nombreuses dates. Il participe notamment au 10 Years Tour à l'occasion des 10 ans du label Chinese Man records en 2014^,, aux Francofolies de La Rochelle le 12 juillet 2014, ainsi qu'à la « Journée Urbaine » de Limoges le 4 juillet 2015.

Influences

Le groupe cite notamment l'influence de Beat Assailant, The Roots, General Elektriks, Julian Cannonball Adderley, Matthieu Chedid et Serge Gainsbourg.

Membres du groupe

À l'origine cinq lors de la création du groupe en 2007, le groupe se compose de six membre depuis l’arrivée de Liliboy en 2010 :

Discographie

Albums studios

EP

Album en public

Maxi's

• 2008 : That's All Folks
• 2009 : All Over The Country

Participations

• 2012 : Racing with the Sun - Deluxe remix sur Remix With the Sun de Chinese Man
• 2014 : Tall Ground sur The Groove Sessions Vol.3 de Chinese Man

Bande originale

Le groupe a enregistré la bande originale du film Les Profs sorti en 2013.

Notes et références

Lien externe

• Site officiel